Что необходимо знать начинающему музыканту. На что вы обрекаете себя, выбирая профессию музыканта Как стать музыкантом без музыкального образования

Наверняка, каждый человек, занимающийся музыкой, мечтает в будущем стать музыкантом. И в этом нет ничего удивительного, ведь этот вид деятельности в настоящее время наиболее популярен. Люди, которые задумываются о том, как стать музыкантом, сразу представляют вокруг себя толпу поклонников, которые ловят каждый звук вашей музыки.

В настоящее время есть большое количество вариантов и возможностей для развития своего музыкального таланта, ведь существует множество учебных заведений. Да и инструмент для начала можно приобрести за небольшую сумму, и только после того, как освоились играть на нем, можно будет говорить о настоящей игре и более профессиональных инструментах.

Музыкальный путь

• Для начала, было бы не плохо, освоить некоторые элементарные навыки в музыкальной школе. Бывает и такое, что люди добиваются хороших результатов благодаря своей усидчивости, но это все решает случай. Именно поэтому для начала следует получить музыкальное образование, а потом уже мечтать о том, как стать известным музыкантом. Мало, кто хочет стоять на улице и играть за жалкие гроши, а все будет именно так без получения образования. Поэтому если люди говорят, что я хочу стать музыкантом, то они должны предъявить к себе наиболее высокие требования.
• Было бы не плохо, иметь хорошие связи и быть хорошо узнаваемым и популярным среди своих друзей. Есть люди, которые при общении с другими рассказывают о своем творчестве, в частности, о песнях. А другие могут выложить свою песню в социальную сеть, что позволит выслушать мнения других людей, что в последствие может скорректировать творение музыканта, или вовсе его переделать.
• Необходимо каждый день стремиться к карьере музыканта, а не просто предаваться мечтаниям и желаниям, типа хочу быть музыкантом. Приложите больше старания и практика будет подавать все большие надежды на положительный исход. Но не следует забывать, что всему свое время. Многие годы практики и длительных тренировок дадут положительные результаты.
• Нужно быть одержимым своей мечтой и найти себе партнеров. Все это поможет найти кучу фанатов и стать популярным. Ведь в одиночку трудно поверить своей правоте, а другие тебе подскажут, что лучше и поддержат, если будут неудачи.
• Определитесь со своим талантом, или же на каком инструменте сможете играть без проблем. Ведь какие есть музыканты – есть играющие на пианино, есть те, которые играют на гитаре, просто необходимо сначала определиться. Лучше, конечно быть универсалом, но если выбрать один инструмент, можно доказать свой профессионализм, что просто замечательно. После всего этого повышается самооценка и увеличивается готовность завоевать "свое" место.

Поиск наставника

Кто, как не наставник может "вытянуть" талант из новичка. Ведь именно он знает такие тонкости, которые помогают провести время с пользой для дела. А свои способности проверить довольно просто. Стоит задаться вопросом о том, сколько вы занимаетесь музыкой, и поверьте, если вам это не надоедает, то вы к ней расположены. Постоянство и трудолюбие – это гарантированный успех.

На самом деле все довольно просто, и не существует препятствий и ограничений в понимании, как стать музыкантом. Если вы поняли, что к вам тянутся люди, то наставник найдется всегда. Но не стоит на это сильно надеется. Главное верить в свои силы и в свой талант!

Говоря о музыкальном образовании в России, следует вспомнить современные реалии и даже немного углубиться в историю. 90-е годы ХХ века для нашей страны стали переломными. И речь тут идет даже не об идеологии. В Россию сквозь прохудившийся железный занавес и рухнувшую цензуру хлынул западный ширпотреб: техника, еда, питье, одежда и, конечно, музыка.

И тут случилась забавная штука: западная музыка меняется год от года – ритмы возникают, смешиваются и исчезают течения; появляются все новые и новые имена. Российская музыка, пытаясь меняться вместе с западной, вместо того чтобы делать что-то свое, но в русле времени, лепит пародию, не обладая при этом зачастую ни вкусом, ни слухом, ни голосом. Редкие единицы представляют собой если не выставочный, экспортный вариант, то хотя бы что-то, что можно слушать, не испытывая эстетических мучений.

Все это крайне негативно влияет и на музыкальное образование. Огромное количество музыкального суррогата, которым с рождения окружен ребенок, основательно портит его слух. Найти в ребенке, испорченном шумной, немелодичной и зачастую крайне примитивной попсой, музыканта становится крайне сложно. Музыкальный вкус, который, как известно, формируется на протяжении многих лет, у ребенка отсутствует.

Да и умение играть на каком-либо инструменте все более и более отходит на второй план благодаря техническому прогрессу. Если в прежние времена вечер был немыслим без пения и танцев под живой аккомпанемент на фортепиано, а в более поздние времена посиделки не удавались, если отсутствовал гитарист, то сегодня даже практически любой мобильный телефон - сам себе и аккомпаниатор, и певец. Какой с этой, узко практической точки зрения, ребенку смысл идти учиться играть на музыкальном инструменте? Так же думали и в большинстве случаев думают в школе. А ведь цель есть: занятия музыкой основательно развивают память и моторику, не говоря уже о слухе во всех смыслах - как музыкальном, так и нет. Как бы там ни было, в детские музыкальные школы каждый день приходят дети, хотя их год от года и становится все меньше.

Если ребенок - гений и жизни не мыслит без того, чтобы не поиграть на музыкальном инструменте или не попеть, то ему прямая дорога в музыкальную школу. Если вы не мыслите жизни без того, чтобы ваш ребенок стал гениальным музыкантом - тоже. Музыкальных школ два типа. Первый - это детские музыкальные школы и детские школы искусств. Их, как правило, совмещают с учебой в обычной общеобразовательной школе. Второй тип таких школ - это школы при музыкальных вузах. В Москве это школа при знаменитой Гнесинке - Российской академии музыки имени Гнесиных (РАМ им. Гнесиных), при Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского и Московском государственном институте музыки имени А.Г. Шнитке (МГИМ).

Эти школы дают среднее специальное образование. То есть ребенок, приходя в них в первый класс, не только учится петь, играть и воспитывать в себе гения, но и получать общее среднее образование по русскому языку, литературе, математике и так далее. Обучение в таких учреждениях проводится как платное, с полным возмещением, так и за счет средств бюджета. При поступлении в них, само собой, сдают экзамены. Причем при желании можно подготовиться: при школах такого типа существуют платные подготовительные курсы для детей от 4-5 лет.

Следующий этап - музыкальный колледж. В Москве и Московской области таких 16, не считая филиалов. Некоторые, как и школы, прилагаются к музыкальным вузам - колледжи есть при Гнесинке, консерватории имени Чайковского, Государственном музыкально-педагогическом институте имени Ипполитова-Иванова (ГМПИ) и Московском государственном институте музыки имени А.Г. Шнитке (МГИМ). Другие колледжи существуют самостоятельно.

Венец обучения - музыкальный вуз. В Москве их девять. Это Российская академия музыки им. Гнесиных, Московская государственная консерватория имени П.И. Чайковского, Московский государственный институт музыки им. А.Г. Шнитке и еще шесть не менее известных имен.

Мир знает множество российских пианистов, музыкантов и композиторов. До сих пор, наше музыкальное образование (как и балетная школа) находится на очень высоком уровне. За счет этого и выживают вузы: ежегодно в них поступает большое количество иностранных студентов-платников, которые, отучившись, в подавляющем большинстве случаев уедут на родину поражать уже своих - американских, корейских, китайских, французских и так далее - зрителей. И будут получать за это немалые деньги, надо сказать.

Но при этом понятно, что не у всех российских выпускников музыкальных вузов есть шанс и возможность стать новыми рахманиновыми и спиваковыми. Более того, не у всех есть шанс попасть в российские и зарубежные ведущие камерные оркестры или работать в русских поп-группах. Вот многие выпускники и устраиваются на работу преподавателями музыкальных школ, вузов и колледжей, музыковедами и директорами домов культуры. А на зарплату преподавателя, как известно, особо не пошикуешь, хотя понятно, что любой человек всегда надеется на лучшее.

Масла в огонь, уничтожающий российское творческое образование, подливают еще и законы, направленные, как утверждают их создатели, на улучшение образования в целом. В частности, Россия подписала Болонское соглашение, предполагающее двухуровневое высшее образование - бакалавр и магистр. Но вот насколько такая система приемлема для музыкальных вузов пока не понятно. Эксперты из горнего мира музыки утверждают, что болонский процесс уничтожит в России творческие вузы. По их словам, из стен вузов тогда будут выходить не вокалисты, например, а полупрофессионалы-эстрадники. В частности Александр Чайковский, ректор Санкт-Петербургской консерватории, считает, что на вокальные отделения поступают порой молодые люди без музыкального образования. «Практически первые три года они изучают его основы, - сказал он. - И им присваивать степень бакалавра? Это все равно что давать диплом об окончании вуза третьекласснику».

И это не считая нового Закона «Об образовании в РФ», который мало того что оставляет в школе один час музыки в неделю, - с этим смириться еще можно. Но его создатели еще и посчитали, что принимать ребенка с малых лет в музыкальную школу - это причинять ему моральный вред и нарушать его права.

Что будет с российским образованием в целом и музыкальным образованием в частности - покажет время. Пока образование живо. Ну а завтра оно может уже и не понадобиться модернизированному обществу: играть будет компьютер. Да и спеть он тоже сможет.

Елена Муравьева

Получать музыкальное образование не обязательно в Москве

По словам Татьяны Сидневой, проректора по научно-исследовательской работе Нижегородской государственной консерватории имени М. Глинки, профессора, заслуженного работника высшей школы РФ, музыкальное образование в регионе было и остается на высоте:

- Нижегородская консерватория не просто один из вузов, это крупнейший культурный центр Поволжья. Почти ежедневно здесь проходят концерты видных исполнителей и оркестров. ННГК имени Глинки стабильно занимает лидирующие места в рейтингах профильных вузов. В числе четырех лучших музыкальных вузов страны она удостоена дополнительной государственной финансовой поддержки, определенной постановлением Правительства РФ сроком на три года. Качество подготовки музыкантов-профессионалов не раз удостаивалось высокой оценки многих международных конкурсов.

В консерватории шесть факультетов, набор на которые не сокращается. Более того, в последние годы мы открыли новые специальности и направления подготовки, созвучные требованиям времени: «Музыкальная звукорежиссура», «Актерское искусство», «Художественное образование». Разработаны и внедрены в учебный процесс не имеющие аналогов программы двухгодичной профессиональной переподготовки «Музыкальный лектор» и «Музыкальный критик-журналист, редактор СМИ: ТВ, радио». Каждый год в консерватории проходит ярмарка выпускников всех специальностей, на которую в поисках новых талантов приезжают представители учреждений культуры и искусства из разных регионов страны.

Наряду со всем этим мы укрепляем контакты с иностранными вузами, регулярно осуществляется обмен творческими визитами. В консерватории созданы все условия для обучения иностранных граждан – в настоящее время здесь проходят подготовку студенты, аспиранты и стажеры из Китая, Кореи, Сирии, Ямайки, Японии, Австрии.

Между тем…

Есть и другое мнение, свидетельствующее о реальном положении дел. Его озвучили независимо друг от друга три выпускника Нижегородской консерватории разных лет, имеющее непосредственное отношение к музыкальному образованию, как к среднему, так и высшему (один из них преподаватель вокала, второй – фортепиано, третий – солист ансамбля струнных инструментов). По понятным причинам они просили не называть их фамилий: в Нижнем Новгороде почти все музыканты знают друг друга в лицо и по имени - тому, кто скажет об альма-матер горькую правду, легко стать в консерватории персоной нон грата.

По словам моих собеседников, сегодня консерватория во многом живет за счет иностранных студентов, которые охотно везут сюда свои деньги, поскольку музыкальное образование такого высокого уровня в их странах стоит значительно дороже. Наши же абитуриенты не очень рвутся поступать сюда, поскольку зарплата выпускников консерватории, находящих работу по специальности в бюджетной сфере, настолько мала, что на нее трудно сводить концы с концами. Конкурс, небольшой сравнительно с прошлыми годами, сохраняется лишь на фортепианное и вокальный отделения, не пользуются спросом не только теоретические, композиторские и музыковедческие специальности, но и отделения духовых и народных инструментов (в прошлом году на эту специальность вообще был недобор, в этом году решено не набирать курса). И дело не в отсутствии интереса к музыке. Причина в падении престижа профессии, вызванном более чем скромной материальной оценкой огромных трудозатрат. Как правило, если в семье оказываются два музыканта, то одному для обеспечения даже минимального материального достатка приходится жертвовать любимым делом и переквалифицироваться – иначе семья обречена на нищенское существование. Только единицы выбиваются в звезды - гастролирующие солисты, но и те предпочитают осесть за границей и не зависеть от местных филармонических расценок. В итоге профессионально играющих на скрипках, флейтах, гитарах, аккордеонах и ксилофонах нижегородских музыкантов с перевернутой вверх тульей шляпой или картонной коробочкой можно встретить не только в подземном переходе возле Московского вокзала в Нижнем, но и в таких же переходах Москвы, Питера, на набережных курортных городов ближнего и дальнего зарубежья. Виртуозных исполнителей выручают лишь случайные заработки или разовые ангажементы, многие профессионалы вынуждены прощаться с карьерой исполнителей и уходить в репетиторство. Слава Богу, всегда находятся дилетанты, как дети, так и взрослые, желающие освоить инструмент (конечно, в более выгодном положении оказываются клавишники, вокалисты и гитаристы).

Когда я спросила моих собеседников, советуют ли они своим детям и талантливым ученикам поступать в консерваторию, все трое, не сговариваясь, единодушно ответили: «Боже сохрани! Ни в коем случае!»

Официальный ответ представителя ННГК и независимые мнения музыкантов записала Вера Кострова

Фото Веры Костровой

Музыкантам нужны влюбленные в музыку продюсеры и спонсоры, уважающие труд и талант

Анна Бабушкина, художественный руководитель ансамбля старинной музыки «Гальярда»:

"Это просто счастье, что нашелся человек, которому нужна музыка и который готов бескорыстно вкладывать в музыкантов свое время и силы!"

- В свое время я закончила композиторско-музыковедческий факультет ННГК имени Глинки. Со своим дипломом я могла рассчитывать на место преподавателя сольфеджио в музыкальной школе или музыкальном училище. На момент моего выхода из консерватории вакансий не оказалось. Попытки найти себе работу, соответствующую образованию, оказались безуспешными. Благодаря моему мужу-немузыканту наша семья могла жить относительно сносно и без моей зарплаты (все знают, насколько она мала у преподавателей музыкальных школ), но конечно мне хотелось как-то профессионально реализовываться. Может быть, я так и ограничилась бы занятиями с сыном и домашним музицированием, если бы счастливый случай не свел меня с Марианной Шароновой, которая сейчас является директором нашего ансамбля. Ее энергия и феноменальные организаторские способности помогли творчески состояться и мне, и многим другим начинающим музыкантам, студентам консерватории и музучилища. В течение почти пятнадцати лет мы имеем возможность играть прекрасную музыку Барокко и Возрождения, давать концерты, участвовать в фестивалях, в том числе и зарубежных. Конечно, всякий раз выезд куда-то за пределы области связан с напряженными поисками денег. Ведь проезд до места всех фестивалей сегодня оплачивают сами участники, хорошо еще что проживание часто берет на себя приглашающая сторона. Но это не единственная статья расходов ансамбля. Мы репетируем дома, помещения нам не нужно, зарплату тоже никто из нас себе не требует, но пошив костюмов эпохи, аутентичные инструменты – все это требует средств, и немалых. Лет 8-10 назад при предшественнике нынешнего губернатора мы чувствовали существенную поддержку власти, теперь же вся надежда только на спонсоров. Если б не Марианна с ее обаянием и знакомствами со многими влиятельными лицами нижегородского бизнеса мы бы не смогли достать ни копейки. Это просто счастье, что нашелся человек, которому нужна музыка и который готов бескорыстно вкладывать в музыкантов свое время и силы. У Марианны есть своя работа, не связанная с музыкой, наш ансамбль для нее хобби. Родилось оно тоже почти случайно В свое время ее сын учился в музыкальной школе и на флейте (в то время и родилась «Гальярда»), потом сын вырос и ушел из музыки, но Марианна нас не бросила. Побольше бы таких людей.

Фото Веры Костровой

Благотворительная стенгазета для школьников, родителей и учителей Санкт-Петербурга «Коротко и ясно о самом интересном». Выпуск №65, октябрь 2014 года.

1-го октября во всем мире отмечается Международный день музыки. Он был учреждён в 1973 году по инициативе Международного музыкального совета – международной неправительственной организации, объединяющей профессиональные и любительские музыкальные организации всех стран. Целью этого Дня стало «распространение музыкального искусства во всех слоях общества и реализация идеалов мира и дружбы между народами, развития культур, обмена опытом и взаимного уважительного отношения к эстетическим ценностям друг друга». В нашей стране Международный день музыки стал праздноваться стараниями знаменитого композитора Дмитрия Шостаковича с 1996 года.

«Любите и изучайте великое искусство музыки: оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке, вы найдёте в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках».

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906-1975) – выдающийся российский композитор, пианист, педагог и общественный деятель, один из крупнейших музыкальных деятелей XX века. Автор знаменитой «Ленинградской симфонии», которая прозвучала в блокадном Ленинграде 9 августа 1942 года. Исполнение симфонии стало важным событием в жизни жителей нашего героического города.

– Как вам живётся с «абсолютным» слухом?

Абсолютный слух – вовсе не «самый лучший» слух, как иногда думают, а один из многих видов музыкального слуха. Это врождённая способность человека как бы «слышать нотами». Когда обладатель такого слуха слышит мелодию, он автоматически слышит или, скорее, видит ряд нот, из которых эта мелодия состоит. Вот и все. Многие музыканты вообще считают абсолютный слух вредным, так как он может плохо влиять на развитие других видов слуха и затруднять процесс наслаждения музыкой. Нет ни одного человека, который бы обладал блестящими музыкальными способностями во всех областях музыки. Кто-то легко может распознать фальшиво исполненную мелодию. Кто-то сразу может понять: на каком инструменте играют музыку. У кого-то чувство ритма работает не хуже секундомера. Все эти способности развиты у разных людей по-разному. Так что не стоит нам завидовать обладателям абсолютного слуха, и вообще – не стоит завидовать. Мы все разные, с разными способностями, и это хорошо.

– Может ли музыкант понять по голосу своего собеседника, что тот его обманывает?

Может. Человек, когда говорит неправду, неосознанно меняет тембр своего голоса, причём контролировать он это почти не может. Музыканты, хорошо различающие звучание разных музыкальных инструментов, слышат эту «фальшивую интонацию». Очень хорошо такой вид слуха развит у преподавателей театральных вузов. Не зря же знаменитый театральный режиссёр Станиславский повторял свою не менее знаменитую фразу: «Не верю!» Он не верил именно фальшивой интонации речи актёров. Надо будет спросить у актёров и разведчиков, как они тренируются!

– Почему мой голос в записи такой противный?

Когда мы говорим или поём, звук к нам в ухо попадает двумя путями: через воздух и через кости черепа. В результате мы слышим эдакую смесь двух звуков. Человек привыкает к такой смеси, к звуку своего голоса, и считает его нормальным. Когда же он слушает свой голос в записи, он слышит только те звуки, что идут через воздух. Поэтому он считает свой голос (напрасно!) «неестественным». Кстати, любая запись, даже очень хорошая, всегда менее богата, чем живое звучание. Отчётливо слышны только средние частоты звуков, а все остальные – низкие и высокие, которые человек тоже замечательно слышит, «обрезаются» или искажаются. А слушать музыку в наушниках, особенно в тех, что вставляются в ушной канал, маленьких таких, вообще опасно. Создаётся очень большое давление на барабанную перепонку. От этого постепенно, но довольно быстро, наше ухо начинает глохнуть. В общем, старайся слушать музыку «вживую», особенно ту, где у инструментов тембр особенно богат – скрипку, альт, виолончель.

– Откуда произошло слово «музыка»?

Слово «музыка» происходит от греческого μουσική или «mousike», если написать латинскими буквами. Если же греческое слово совсем перевести на латынь, то получится слово «musica». Это слово на русском языке и звучит как «музыка». Греческое слово произошло от слова «муза». То есть «музыка» – это то, чему покровительствуют, чем занимаются «музы». Музы, по греческой мифологии, покровительствовали не только музыке в нашем, современном понимании. Они покровительствовали и наукам и много ещё чему. Слово «Музы» переводится с древнегреческого как «мыслящие». В древнегреческой мифологии «мыслящие Музы» – это дочери бога Зевса и Мнемозины, богини памяти. Зевс же вырабатывал атмосферное электричество. Греки считали, что муз было девять. И занимались они каждая своими делами. Каллиопа – эпической поэзией. Эвтерпа – лирической поэзией и музыкой. Мельпомена – трагедией. Талия – комедией. Эрато – любовной поэзией. Полигимния – пантомимой и гимнами. Терпсихора – танцами. Клио – историей. Урания – астрономией. Если переводить слово «музыка» так, как его понимали древние греки, то и поэзия, и театр, и танцы, и история, и астрономия – все это музыка. Вообще, все науки и искусства – это музыка. На самом деле, это так и есть. Удивительная музыка звучит в красивейших физических и математических теориях, об этом знают все уважающие себя учёные. Взять хотя бы «теорию относительности Эйнштейна», абсолютно совершенная вещь, не хуже фуг Баха. Архитектура – музыка в камне. На санскрите, древнем языке индийцев, музыка – это «застывшая математика». А индийская музыка сейчас является самой древней из существующих. Рояль или орган невозможно хорошо настроить без хорошего знания физики и математики. Точнее, невозможно придумать подходящий музыкальный строй и нужное количество клавиш для них. Так что древние греки были весьма умны.
Саркофаг муз (II век нашей эры. Лувр, Париж).

– Кто и как придумал ноты?

Это очень простой вопрос. И, одновременно, как и всякие хорошие вопросы, очень сложный. Нет одного человека, который придумал автомобиль. Кто-то придумал колесо, кто-то способ соединения колёс в повозку, кто-то двигатель автомобиля. И таких людей было очень, очень много за всю историю человечества. Такая же ситуация и с нотами. Люди с древних времён пели. Мама пела ребёнку колыбельную, были ритуальные песни и танцы перед охотой, войной. Все эти мелодии, песни, музыка или сочинялись на ходу или передавались от одного человека к другому устно, на слух. Но потом, постепенно, люди захотели передавать музыку, песни более точно. Тогда-то и появились первые попытки записать звуки знаками. Вначале просто отмечали, куда идёт мелодия – выше или ниже. Такие пометки назывались «нéвмы» и использовались в Европе, Византии, на Руси, в Армении и других местах. Вот как они примерно выглядели.
На фото – армянские невмы из рукописи XII века.

Но, как мы понимаем, такой способ описания мелодии не очень точен. Выше какого-то звука может быть множество звуков. И ниже тоже. В XI веке в Италии, в городе Арéццо жил монах Гвидó. Звали его, естественно, Гвидо д’Ареццо, Гвидо из города Ареццо. В монастыре Гвидо обучал мальчиков пению. Каждое утро они начинали с распевки. В качестве распевки они использовали «гимн святому Иоанну». Слова гимна для нас тоже имеют значение. Хоть ты и не знаешь итальянского языка, я все равно приведу текст гимна, это интересно. Многие буквы ты узнаешь. Это гимн-молитва о том, чтобы Святой Иоанн (покровитель пения) помог звучать голосам певчих, которые будут восхвалять Господа, восхвалять без хрипоты. Каждую строчку гимна мальчикам нужно было петь чуть выше предыдущей. Но они путались и фальшивили. Потом плакали. Чтобы помочь своим ученикам запоминать мелодию, Гвидо решил записать высоту звуков на бумаге, дав каждому звуку название. Так можно было петь, подглядывая в шпаргалку.

Первые слоги каждой строчки первого куплета гимна Гвидо разместил на четырёх линеечках – в виде квадратных значков. Четыре линейки использовались как ступеньки, а на них, как на лесенке, располагались квадратные значки-ноты, каждая из которых соответствовала звуку определённой высоты. Гвидо использовал красные, черные и жёлтые линеечки для размещения нот. Он создал для детей понятный и наглядный музыкальный алфавит. Теперь имя Гвидо Аретинского знают все музыканты мира.
Памятная доска на доме, в котором жил Гвидо.

Со временем, вплоть до настоящего времени, нотная запись Гвидо совершенствуется. Все линейки и значки рисовали черным цветом, значки стали круглыми, добавили пятую линейку на нотном стане и палочки, обозначающие длительность нот. Многое изменилось. Но название основных нот (до, ре, ми, фа…) сохранилось по сей день. Спасибо тебе, Гвидо!
Современная нотная запись.

У разных инструментов – фортепиано, органа, гитары, барабанов и других – нотная запись выглядит по-разному. Конечно, есть своя специфика, например, на барабане стучать – это вам не гимны петь! Но это мы с тобой говорили про Европу. В Китае, например, 12-нотный музыкальный звукоряд Люй-Люй сформировался за несколько тысяч лет до нашей эры, задолго до создания европейского. Система нотной записи во времена Конфуция (VI век до нашей эры) была очень богатой, она не ограничивалась лишь информацией о высоте звука и его длительности, как принято сейчас, а указывала, как нужно брать звук, какой тембр и громкость звука должны быть и много других параметров. Были свои способы записи нот и в Индии, и во многих других культурах. Об этом можно долго рассказывать. Лучше, если ты подрастёшь и сам прочитаешь о замечательной культуре Китая, Индии, Японии, древней Греции и других прекрасных мест.

– Правда, что у других народов вовсе не семь нот?

Правда. Например, у арабов 17 нот. У индийцев целых 22 ноты. Древние индийцы считали, что звучание музыкальных инструментов должно быть очень схожим с человеческим голосом, возможно, поэтому в индийской музыкальной культуре так много нот. А в китайской – всего 5 основных нот. Число «пять» китайцы считают священным: у них пять основных планет, пять стихий, пять вкусов, цветов, органов чувств… Музыка в Китае всегда считалась делом государственной важности. При императорском дворе было целое музыкальное «министерство». Из числа известных музыкантов назначались чиновники, которые ездили по стране и настраивали все музыкальные инструменты. Китайская музыкальная традиция насчитывает несколько тысячелетий, возможно, она самая древняя в мире. Да, кстати, «у нас» вовсе не семь нот, а 12 – посчитайте количество клавиш на рояле в пределах одной октавы: семь белых и пять чёрных!

Для начала вспомним, как вообще выглядит клавиатура фортепиано, пианино, рояля. У рояля 88 клавиш и они разбиты по октавам. В каждой октаве есть ноты: До, Ре, Ми, Фа, Соль, Ля и Си. Ноты называются, например, так: Ля первой октавы или Фа контроктавы. Все это относится к белым клавишам рояля. Черные клавиши более узкие и находятся чуть дальше и чуть выше белых. Кстати, не всегда они были черными. Раньше иногда красили белые клавиши в черный цвет, а черные делали белыми. Но сейчас мы привыкли именно к такому виду. От До одной октавы до До следующей октавы добавлено ровно 12 клавиш: 7 белых и 5 черных. Можно было бы сделать 6 белых и 6 черных, музыка была бы та же самая. Эти 12 клавиш в одной октаве позволяют нам играть практически любую музыку. На скрипке нет клавиш, но на ней музыканты играют точно по тем же 12-ти нотам в пределах одной октавы. Разбивка на белые и черные клавиши носит условный характер, так сложилось. А почему так сложилось? Всё дело в том, что наша европейская музыка является развитием древнегреческой, пифагорейской музыки. Пифагор в VI веке до нашей эры обратил внимание на связь между звуками и математическими величинами и придумал музыкальный строй, набор звуков, с помощью которого было бы удобно играть музыку – 7 звуков в пределах октавы, что приблизительно соответствуют нашим семи белым клавишам на пианино. Но играть по 7-ми нотам вовсе не обязательно. Китайцы играли по 5-ти нотам (пентатоника), арабы по 17-ти, индийцы по 22-м. Просто нам так привычнее, и все. Вот из-за привычки играть по 7-ми нотам и образовались семь белых клавиш рояля. Но расстояние между белыми клавишами получилось неодинаковым. Между До и Ре – один тон, между Ми и Фа – полтона. Чтобы у нас была возможность играть в любых тональностях, начинать нашу музыку с любой ноты, нужны дополнительные клавиши между белыми, там, где расстояние между ними большое, тон. И получилось 5 дополнительных черных клавиш. Но, повторюсь, разбивка эта не имеет почти никакого значения. На гитаре, скрипке, арфе, флейте таких разбивок нет, а музыку на этих инструментах можно играть не менее замечательную, чем на фортепиано.
На фото – небольшой участок клавиатуры рояля – октава.

– Каким был самый первый музыкальный инструмент?

Давай попробуем поразмышлять вместе. Конечно, никто не знает, какой музыкальный инструмент был самым первым. Когда он появился, ещё не было музыки, не было и специальных инструментов для проигрывания музыки. Поэтому люди использовали подручные средства, то, что лежало рядом. Что находится ближе всего к человеку? Сам человек. И вот человек использовал сам себя в качестве музыкального инструмента. Он пел, кричал, цокал и издавал самые разнообразные звуки, подражая звукам природы и голосам птиц и зверей. Вторым инструментом был, скорее всего, барабан или просто ударные инструменты. Можно было стучать маленькой косточкой мамонта по большой кости белки, ритмично. Вот и получался ритм, получалась музыка. Третьим видом инструментов были, видимо, духовые инструменты, всякие дудочки, рожки и флейты. Согласно греческой мифологии, первый музыкальный инструмент - пастушью дудку - изготовил бог Пан. Однажды на берегу он, играя с трубкой тростника, выдохнул сквозь тростник и услышал, как его дыхание, пройдя по стволу, произвело печальный звук. Он разрезал ствол на неравные части, связал их вместе, и вот уже у него был первый музыкальный инструмент! Он называется «флейта Пана».
Пан со своей флейтой. Иллюстрация из книги «История Греции для мальчиков и девочек», 1910-е годы.

Лира Орфея, четырёхструнный музыкальный инструмент, была очень популярна в древней Греции. Может быть, там её и придумал какой-нибудь грек. Но сейчас археологи считают, что первые струнные музыкальные инструменты, маленькие арфы, были созданы в Междуречье, на территории современного Ирана. Их возраст около четырёх тысяч лет. В Китае же, согласно легенде, Жёлтый император Хуан Ди четыре тысячи лет до нашей эры создал первый музыкальный строй и первые музыкальные инструменты. Две птицы, фениксы, самец и самка, понадкусывали стебли бамбука в нужных местах и создали 12 флейт с разными звуками. Создали первую гамму, шесть мужских нот и шесть женских. Потом Хуан Ди приказал отлить колокола со звучанием таким же, как у флейт. Археологические находки в Китае также говорят о том, что первые флейты и первые колокола были созданы за тысячи лет до нашей эры. А вообще, все музыкальные инструменты хороши. Нужно только уметь на них играть. Можно изобразить отличный ритм даже на крышке школьной парты или на лысине дедушки.
Жан-Луи Дусис. Орфей и Эвридика, 1826 год.

– Какой инструмент самый современный?

На протяжении всей истории человечества люди придумывали великое множество всяких музыкальных инструментов. Все они были очень разными, и ударные, и духовые, и струнные. Органы, скрипки, лютни, клавесины, банджо и многие, многие другие. Но все эти инструменты объединяло одно – звук их был естественным, натуральным. Что-то природное, натянутая струна, трубка или колокол звучали сами, нужно было только научиться извлекать из них звук. Но примерно с середины XX века с развитием техники и электроники появились совсем новые музыкальные инструменты. В них не было звучащего объекта, не было ни струн, ни звучащих трубок. В них звук синтезировался. Такие инструменты называют синтезаторами. С помощью этих инструментов, скорее даже компьютеров, можно было создавать любые звуки, самые разнообразные. И похожие на звук рояля, скрипки или саксофона, и даже такие звуки, которых раньше совсем не существовало. А у тебя есть компьютер? А синтезатор? Звук создаётся, синтезируется, а потом через усилитель звука подаётся на акустические колонки, откуда мы его и слышим. Ты такие колонки видел или рядом с компьютером папы, или рядом с телевизором мамы.
Современный синтезатор.

Но многие люди, особенно музыканты (и я в том числе), больше любят звук не от синтезатора, а от живого, настоящего инструмента. И сейчас есть много людей, придумывающих замечательные инструменты, акустические, не электронные, не синтезаторы. Одним из таких увлечённых изобретателей, музыкантов является наш с тобой современник американец Крис Форстер. Он изготовил и сам исполняет музыку на своём инструменте, который называется «Крисалис». Этот инструмент тоже можно назвать самым современным. Вырасти, и создай свой собственный инструмент, который тебе понравится!
Крис Форстер и его «Крисалис».

– Какой инструмент самый громкий?

Ты наверняка видел самые разные музыкальные инструменты, и большие и маленькие. Рояль, орган, скрипку, флейту, барабан. На каждом из них можно сыграть так громко, что уши заложит. Но тебе ведь хочется понять – какой из них самый-самый громкий? Ведь хочется? Ааа… На первый взгляд кажется, что самый большой инструмент и будет самым громким. Это почти совсем так. Почти. Самый большой инструмент – орган. В нем много труб, и больших и маленьких, воздух через них продувается не силой человека, не силой его лёгких, а с помощью электрических моторов. А у них мощность может быть почти любой.

Вот как выглядит орган. Из всех существующих сейчас органов самый большой находится в Атлантик-Сити, в Америке. Вроде бы получается, что он и будет самым громким. Но не все так просто. Мы, люди, низкие, высокие и средние звуки слышим по-разному. Совсем низкие звуки (инфразвук) мы не слышим, даже если их мощность будет очень большой. От них может колыхаться живот, а уши такие звуки почти не слышат.
Орган собора Сен-Этьен (Тулуза, Франция) .

И совсем высокие звуки мы тоже не слышим, это уже не звук, а ультразвук. А лучше всего мы слышим звуки, находящиеся в верхнем регистре рояля, в правой части клавиатуры. Такие звуки соответствуют частоте в 2,5-3 тысячи Герц. Вот эти-то звуки мы слышим очень хорошо, даже слишком хорошо. И мощность звука на такой высоте для того, чтобы оглушить нас, нужна в тысячи раз меньше, чем у низких звуков труб органа. Таким частотам соответствует маленькая флейточка, называемая пикколо. Несмотря на то, что человек не может дудеть в неё с такой же силой, как орган, мы воспринимаем звуки этой флейты как очень громкие. Можно сказать, что это самый громкий музыкальный инструмент, и опять мы будем правы. Но это я говорил про акустические музыкальные инструменты. Есть ведь ещё электромузыкальные. В таких инструментах звук синтезируется компьютером и передаётся через усилитель на акустические колонки. Для таких инструментов практически нет ограничений по громкости, звук можно сделать любой громкости. На стадионах во время рок-концертов иногда звук бывает таким громким, что птицы облетают стадион за километр. Да и людям несладко приходится, и летают они неважно. А если немного пофантазировать, то самый громкий музыкальный инструмент у нас в Солнечной системе – это наше Солнце. На его поверхности возникают огромные пузыри, поверхность Солнца кипит. И от этого рождается звук такой силы, что если бы мы находились в атмосфере Солнца и не умерли бы от жары (а там довольно тепло, несколько тысяч градусов), то точно бы умерли от страшного грохота.
Музыкант играет на флейте пикколо.

– Почему на струнных инструментах разное число струн?

Самый простой ответ на твой вопрос – потому, что на разных инструментах играют разную музыку. Но давай посмотрим чуть подробнее. В древнегреческом музыкальном инструменте Орфея (лире) струны были «свободными». То есть их никак не пережимали во время игры. Сколько струн у такого инструмента – столько и музыкальных звуков можно с их помощью извлечь. Но уж очень много все равно не получится. Вот в этих инструментах и их потомках и делали разное количество струн – столько, сколько нот хочется сыграть. Наверное, самый богатый инструмент из этого ряда – современная арфа. В ней очень много струн, около 46-ти. И на ней играть непросто. Зато звук красивый и можно сыграть любую мелодию, какую захочешь. Сколько струн, столько и нот, например, у фортепиано и рояля.
Школьник играет на арфе на Международном детском музыкальном фестивале в Колумбии.

Если же параллельно струнам поместить какую-нибудь дощечку, то струны можно к ней прижимать, укорачивать звучащую струну. А более короткая струна будет звучать выше, чем свободная. Таким образом, можно извлекать звуки почти любой высоты. Такое простое приспособление – дощечка, параллельная струнам, гриф – очень сильно обогатило музыкальную культуру. Если раньше нам приходилось для каждого нового звука делать свою струну, то теперь модно просто пережимать её в нужном месте и всё. В принципе, для одноголосной мелодии достаточно и одной струны. И такое бывало в истории. Самый известный однострунный музыкальный инструмент – монохóрд, с ним производил музыкально-математические опыты Пифагор. На Руси играли на смыке, похожем на лук, и так далее. Но все же одна струна – это скорее экзотика.
Старинные монохорды в Берлинском музее музыкальных инструментов.

На одном из самых древних струнных музыкальных инструментов, китайской цитре Цинь, рождённой за многие тысячелетия до нашей эры неким китайцем, возможно, его звали император Хуан Ди, было 5-7 струн. Техника игры на ней очень сложна. Это было и остаётся настоящим искусством. Одним из больших мастеров игры на Цинь был древний мыслитель Конфуций. На древних струнных музыкальных инструментах играли, в основном, мелодии. И играли их не по всем существующим сейчас в гамме 12-ти нотам, а по семи, как было принято в Греции, или по пяти, как в Китае, или по 7+15-ти, как водилось в Индии. Аккорды, к которым мы сейчас привыкли, вообще не брались. Когда же музыкантам захотелось брать сложные аккорды, родились инструменты, похожие на современную гитару и новые музыкальные строи. С грифом и порожками. В ней делалось столько струн, чтобы аккорды, которыми сопровождалось пение, звучали красиво. Обычно хватало шести или семи струн. На бас-гитаре аккорды не берутся, там играют отдельные ноты. И хватает четырёх струн, очень толстых. Когда же появился современный музыкальный строй с 12-ю нотами (расстояние между соседними нотами у которых одинаковое), музыканты стали играть музыку в разных тональностях, переносить музыку выше или ниже. Такая музыка уже требовала других инструментов, где легко было бы брать любую ноту. Классическим вариантом такого инструмента является рояль. В нем ноты (клавиши) расположены подряд. В октаве 12 нот и октав несколько. Вот и получается у рояля очень много – 88 – струн (точнее, струн немного больше, есть двоенные и строенные одинаковые струны, для увеличения громкости звуков). Возвращаясь к началу разговора: для разной музыки нужны и разные музыкальные инструменты. И разное количество струн. Вот так.
«Слушающие цинь». Рисунок китайского императора Чжао Цзи, XI век.

– Почему шмель жужжит, а комар – пищит?

Перефразируя твой вопрос, можно спросить: почему от крыльев шмеля в полёте исходит низкий звук, а от крыльев комара – высокий? Что такое звук? Это звуковая волна. Помнишь волны на озере? Вот и в воздухе есть такие же волны, только их не видно. Поэтому и звука не видно. Зато слышно. На озере были большие волны и мелкая рябь, совсем маленькие волны. У длинных, больших волн не часто сменяются гребни и впадины на воде, а у коротких волн – часто. У волн на озере меняется высота, а в воздухе меняется давление. Учёные даже придумали специальное название – частота волны. Попробуй помахать рукой туда-сюда. Скорее всего, за одну секунду ты сделаешь движение раза три-четыре. Это означает, что ты создал звуковую волну с частотой 3–4 Герц. Герц – международная единица измерения частоты периодических процессов (например, колебаний). Она названа в честь немецкого учёного-физика XIX века Генриха Герца. Одно колебание в секунду – один Герц; обозначается так: 1 Гц. Если 200 раз в секунду – то 200 Гц, все просто. Правда, мы с тобой не сможем махать руками так часто – 200 раз в секунду. Ты заметил, что созданные тобой волны мы не слышим? Наше ухо устроено так, что мы не все звуки природы можем слышать. Ниже 20 Гц (очень низкий звук, еле слышный гул) не слышим и выше 20 тысяч Гц (очень высокий писк) – тоже не слышим. Его слышат только дети, вот ты слышишь. А взрослые уже выше 12–15 тысяч Гц звуки не слышат. На то они и взрослые. Итак, ты можешь махать руками 3–4 раза в секунду, с частотой 3–4 Гц. Шмель машет крыльями чаще – 200 раз в секунду. А комар ещё чаще – 500 раз в секунду. Чем выше частота, тем более высоким получается звук. Шмель машет крыльями относительно медленно, и мы слышим низкий звук, басовитое жужжание. А комар машет крыльями быстро, и мы слышим высокий звук, писк. Птицы же машут крыльями, как и люди рукой, медленно – меньше 20 раз в секунду. Вот мы и не слышим, как они летают. Мы же не можем слышать звуки ниже 20 Гц. Но есть особенные птицы, очень маленькие – колибри. Они могут махать крыльями 80 раз в секунду, создавая звук с частотой 80 Гц. И этот звук мы замечательно слышим – такой низкий, гудящий звук, похожий на звук полёта шмеля или толстой зелёной мухи.
Шмель в полёте.

– Почему поросята пищат так громко?

В Средние и не очень средние века англичане, которые плавали в тумане на кораблях вокруг своей Великой Британии, ничего не видели вокруг, как не сложно догадаться. Они отплывали подальше от берега, чтобы не врезаться в камни, но тогда они могли врезаться в другой английский корабль. Нужна была сирена. Сирен не было. Зато были свиньи, которые, если покрутить им хвост, издавали пронзительный визг. Его-то и улавливали чуткие уши англичан, находящихся на другом корабле, скрытом в тумане. Английские свиньи верещали, да и сейчас верещат, высоким звуком приблизительно одной частоты. Звуки примерно четвертой октавы рояля, с частотой 2-3 тысячи Гц. Почему свиньи такие полезные? Ведь можно крутить хвост и быку, чтобы он мычал. Или заставить корабельного юнгу кричать в рупор: «К вам приближается новый объект». Нет. Свиньи лучше быков и юнг. Чем же лучше? Человек, как ты помнишь, не слышит очень низкие звуки, инфразвук (ниже 20 Гц) и очень высокие, ультразвук (выше 20 тысяч Гц). Значит, где-то посередине должны быть такие звуки, которые человек слышит лучше других. Это абсолютно так же, как и со светом: человек лучше всего видит зелёный и жёлтый свет, инфракрасный и ультрафиолетовый – не видит. Звуки, которые человек лучше всего слышит, как раз и соответствуют высоте звуков, с которыми визжат свиньи, – примерно 2,5 тысячи Гц. Вот и получается, если все звери, включая людей, будут кричать или визжать с одинаковой силой (конечно, это несколько вольное предположение), то выбрать нужно из всех зверей, издающих звуки, тех, которых луче всего слышит человек. Повезло свиньям. Кстати, примерно на такой же, свинячей, частоте (2,5 тысячи Гц) пищат человеческие младенцы. Видимо, это не случайно. Чтобы мама хорошо их слышала. Со временем, когда появились механические сирены, всех английских свиней выпустили на берег, там они теперь и живут.
Со свиньями всё понятно. А теперь немного про оперных певцов. У хороших певцов ярко выражены в их пении самые хорошо слышимые человеком звуки – в диапазоне 2-3 тысячи Герц (верхняя певческая форманта). То есть, на эту область частот приходится бóльшая часть энергии звука, по сравнению с не-оперными певцами, поющими для себя или для соседей в ванной комнате. Именно этому и обучают оперных певцов – умению закачивать в область 2-3 тысячи Герц энергию звука, чтобы слышно их было хорошо, даже на фоне симфонического оркестра. Впрочем, учат их не только этому – например, итальянскому языку, каллиграфии, массажу ушей и многому другому. Звук голоса людей, у которых ярко выражена именно «верхняя певческая форманта» – звонкий, «летящий», «звенящий». Такие голоса были у пионеров и у Шаляпина.

– Почему рок назвали «тяжёлым»? Что, есть и «лёгкий»?

Само слово «рок» – английское, на русский язык переводится, как «качать», «укачивать». Но рок-музыка – это не колыбельная, под неё сложно заснуть. Но почему же её так назвали? Рок-музыка – это такое общее название для многих видов современной музыки. Произошла она от блюза. А блюз родился в Америке, он вобрал в себя и негритянскую музыку, и европейскую. У блюза был необычный для европейского уха ритм, такой – качающийся. Сильные доли музыки приходились не на первые доли, а на вторые, это придавало необычное дыхание музыке. Но главное, что было в этой музыке – это ритм. Ритм в классической европейской музыке всегда играл не первую роль, а второстепенную. Здесь же он стал одним из самых главных элементов. Из блюза родилась первая рок-музыка – рок-н-ролл. Ритм рок-н-ролла стал ещё более жёстким. Такая музыка очень энергична, под неё хочется танцевать, кричать, веселиться и шуметь. Если ещё больше внимания уделить ритму, то в составе инструментов музыкальной группы должны быть бас-гитара и ударная установка – тогда получится уже «тяжёлый рок», или как его ещё называют, «хард-рок». Как ты понимаешь, на ударной установке и на электро-гитаре невозможно играть тихо. Такая музыка была очень громкой, её исполняли на стадионах и на больших открытых площадках. Многим классическим музыкантам эта музыка не нравилась, ведь поведение людей при прослушивании такой музыки совсем было не похоже на поведение людей в филармонии и консерватории, где люди сидят тихо, и молча слушают музыку. А на рок-концертах люди танцевали, кричали, пели, вели себя шумно. Из этого, конечно, не следует, что рок музыка плохая. Как и любая другая музыка, она может быть и хорошей и плохой. Группы «Куин», «Лед Зеппелин», «Дип Пёрпл» и многие другие состоят из замечательных, талантливых музыкантов. Но есть, конечно, много и бездарных коллективов, которые просто создают шум, очень громкий шум, на пределе слышимости, на пределе болевого порога человека.
Из «тяжёлого рока» родилось ещё несколько направлений: хеви-метал, глэм-метал. Это «ещё более тяжёлый рок». Музыканты таких групп играли очень громко, часто мелодия и слова угадывались с трудом. С музыкальной точки зрения такие группы не очень интересны. Термин «рок» очень широк. Иногда к такой музыке относят и музыку «Битлз», достаточно мелодичную, с незамысловатыми словами. Прекрасного композитора Эндрю Ллойда Уэббера тоже иногда называют рок-композитором. Он сочинял совсем разную музыку, от знаменитой рок оперы «Иисус Христос – суперзвезда» до мюзикла «Кошки». К рок-музыке относят и очень сложную, непростую музыку «Кинг Кримсон» и панк-рок, где почти не улавливается мелодия. Короче говоря, тяжёлый рок – это музыка «Лед Зеппелин», «Дип Перпл» и их ближайших последователей. А музыка их предшественников – «Битлз», «Роллинг Стоунз» или далёких последователей, вроде группы «А-Ха» – гораздо более «лёгкий рок».
Группа «Лед Зеппелин», одна из основательниц «тяжёлого рока». 2007 год.

– Почему японская и индийская музыка такая длинная?

Непросто ответить на этот вопрос. С чего бы начать? Ну, давай начнём с истории. Вплоть до V века до нашей эры острова Японии были заселены рыбаками и земледельцами. Примерно с этого времени в Японию начинает просачиваться культура Китая, появляется конфуцианство, потом буддизм, развивается искусство, музыка, театр и многое-многое другое. Самая древняя японская музыка, которую я знаю, это музыка «гагáку». Это не народная японская музыка, а императорская, ритуальная, проникшая из Китая. Музыка не простая, нам сейчас её слушать не очень привычно. Больше всего мне нравится звучание флейты фуэ. Совсем не похожая на современную, эта музыка создана не для удовольствия. А сейчас почти вся музыка, которую мы слушаем, пишется для того, чтобы мы получили удовольствие. В древние же времена в Японии игра на флейтах фуэ служила для совсем других целей – для дзен-буддистских медитаций в сопровождении музыки. Японцы говорили: «Играя на фуэ, видишь невидимые сферы, во всей Вселенной - только одна песня». Такой подход не похож на современный европейский, но очень похож на индийский. То есть, суть такой музыки – не получение простого удовольствия, а духовная практика, способ развития своих творческих способностей. Медитативные практики были очень длинными и требовали спокойствия. И музыка нужна была такая же – длинная и настраивающая на созерцание. В Индии примерно такая же история с музыкой, как и в Японии, в Китае. Музыка там всегда считалась лишь частью учения о здоровье человека, физического, психического и духовного. С помощью занятий йогой и музыкой человек старался достичь духовного просветления. Так считали древние индийцы. Да и современные индийцы многие так полагают. Другие задачи, другой настрой, вот и музыка рождается другая. С непривычки такая музыка кажется очень длинной, монотонной. А, может, и впрямь она очень длинная и монотонная – по сравнению с популярной эстрадной или даже классической, академической. Музыка Моцарта или квартета «Битлз» порождает в нас множество самых разных эмоций, она кажется нам более энергичной, более содержательной и интересной, чем старая японская музыка. Уверяю тебя, японская традиционная музыка ничем не хуже, чем древнегреческая музыка, чем музыка классиков: Гайдна, Моцарта, Бетховена, Прокофьева. Просто она другая, медитативная, настраивающая на одну волну.
Музыкант играет на старинной японской флейте.

– Сколько лет надо учиться на музыканта?

Кажется, что это очень сложный вопрос. На самом деле он очень простой. И, как ни странно, музыка здесь вообще не причём. Если ты хочешь заниматься чем-то в жизни серьёзно, стать профессионалом, специалистом в своём деле, то этим можно лишь начать заниматься – а закончить уже невозможно. Музыканты учатся всю свою жизнь: у своих учителей, самостоятельно, у своих учеников. И учёные всю жизнь учатся, очень часто учатся у своих учеников. Ты думаешь, твоя учительница в школе не учится у вас, детей? Ещё как учится! И не ясно, кто больше получает на уроках – вы или она. Помнишь, как сказала Алиса у Льюиса Кэрролла в «Алисе в стране чудес»: «Нужно бежать со всех ног, чтобы только оставаться на месте, а чтобы куда-то попасть, надо бежать как минимум вдвое быстрее!» Это как раз про учёбу. А если серьёзно, то, чтобы начать получать удовольствие от игры на музыкальном инструменте, например, на рояле, нужно заниматься минимум 2-3 года. Тогда тебя перестанет раздражать твоё неумение извлекать приличные звуки из инструмента, и ты сможешь играть не очень сложные технически (но от этого не менее замечательные) музыкальные произведения. Чем больше ты будешь учиться музыке, чем лучше станет исполнительская техника, чем глубже ты поймёшь разных композиторов, тем большее хорошей музыки ты сможешь исполнить. А может быть – и сочинить что-нибудь своё. Это тоже здорово. То, что в средней музыкальной школе музыке обучают 8 лет, в музыкальном училище 2 года, в консерватории 5 лет – ничего особенно не означает. Это условности. Но в любом случае до приличного профессионального уровня музыкой нужно заниматься не менее 10-15 лет подряд и очень напряжённо. Зато потом какое счастье! Какая свобода! Целый мир! Не жалей времени для занятий музыкой!
«В траве сидел кузнечик…»

– Можно ли, занимаясь музыкой, улучшить и другие свои способности?

Можно. И нужно. Известно, что у головного мозга множество разных областей, есть и две половинки, и работают они по-разному. Одни участки мозга отвечают за логическое мышление, другие – за образное, третьи – за эмоции и так далее. Когда ребёнок учится музыке и сам музицирует, в его мозге строятся многочисленные «мостики» между разными участками мозга (синаптические связи). Эти мостики он успешно использует и при занятиях другими видами деятельности, и потом во взрослой жизни. Можно сказать, что «музыка тренирует мозг». Такой ребёнок легче решает задачки, где требуется найти какие-то необычные решения. Очень многие, почти все талантливые учёные, придумавшие что-то действительно новое, сами играли на музыкальных инструментах, любили музыку.

– А можно ли ещё в детстве стать великим музыкантом?

Все великие взрослые музыканты были когда-то детьми. Может быть, они были в своё время и великими маленькими музыкантами, но это вряд ли. За всю историю известно не так много великих музыкантов, которые проявили бы выдающиеся способности в раннем детстве. Обычно они долго трудились и развивали свои природные данные. Самый известный музыкант, способности которого проявились очень рано, это, конечно, Моцарт. Он сочинял музыку и виртуозно её исполнял уже в четыре года. Со временем его талант только креп, пока Моцарт не умер. Потом уже не креп. Вундеркиндом был также и Ференц Лист. И сейчас есть очень способные музыкальные дети. Американская девочка Джеки Иванко, певица-сопрано, уже в двенадцать лет поёт очень сложные арии, выступает на огромных сценах. Есть музыканты-вундеркинды сейчас и в России, в Китае и во многих странах. Но, чаще всего, неизвестно почему, из таких детей редко вырастают великие музыканты. Хорошие – да. Где-то они останавливаются в своём развитии. Скорее всего, такие дети просто очень быстро развиваются, а скорость здесь – не главное.
Так как маленькому человеку стать великим музыкантом? Прежде всего, стоит подумать хорошенько – а хочешь ли ты стать великим музыкантом? Ведь жизнь у них очень сложная. Они постоянно переезжают с места на место, колесят по всему миру, живут в гостиницах, у них нет дома, они редко общаются с друзьями и родными, им просто некогда. Это очень тяжёлая работа, тяжёлая жизнь. Ну, допустим, ты все же решил стать великим музыкантом. Тогда тебе следует сходить в хорошую музыкальную школу или консерваторию и проверить свой слух, свои музыкальные способности. Если способности оценят высоко – хорошо, это следующий шаг, можно двигаться дальше. Но если их оценят не очень высоко – это ещё ничего не значит. Приведу лишь один пример. Выдающегося дирижёра Валерия Гергиева в детстве несколько раз изгоняли из разных музыкальных школ за «полное отсутствие способностей». Что не помешало ему стать действительно великим музыкантом, просто он был настолько не похож на стандартных детей, что его способности обычные учителя музыки не могли правильно оценить. Правда, это, скорее, исключение из правил.
Итак, у тебя нашли хорошие музыкальные способности. Теперь нужно найти хорошего учителя музыки. Но не просто хорошего, а подходящего тебе. И чтобы ты учителю подходил. Ведь вам предстоит проводить очень много времени вместе в ближайшие десять лет или больше. Может быть, с таким учителем ты будешь проводить больше времени, чем с папой и мамой. В Индии говорят, что выбор учителя, гуру, определяет всю дальнейшую жизнь человека. Ты выбрал учителя. Точнее – Учителя, с большой буквы. А Учитель выбрал тебя. Теперь тебе предстоит долгие годы, каждый день упорно заниматься музыкой под его руководством. Это совсем не простое дело. Ты захочешь и полентяйничать, и поиграть в футбол или в игру на компьютере, тебе не будет хватать времени на многие вещи. Но ты должен будешь упорно заниматься музыкой. Иначе нельзя. То же самое относится и к спорту, и к математике, и к чему угодно. Способности – Учитель – Упорство. Вот так и получаются великие музыканты, великие учёные, великие спортсмены.
И, кстати, не верь, если тебе скажут, что тебе «медведь на ухо наступил». Это опасное заблуждение – считать, что что-то тебе «не дано». Умение петь нефальшиво практически никак не связано с наличием у человека слуха. Просто ему нужно «поставить голос». Это хорошо делают любые преподаватели в хоре или учителя по сольфеджио. Одному нужно тренироваться дольше, другому – меньше. Но получится у всех, при должном усердии. Комплексовать тут нечего. Мы все разные. В идеале очень полезно ориентироваться на известное изречение Иоганна Себастьяна Баха: «Мне пришлось очень прилежно заниматься: кто будет столь же усерден, достигнет того же».
Маленький Моцарт на гастролях с отцом и сестрой.

– Как музыка появляется у композитора в голове?

Конечно, каждая отдельная музыка появляется в голове у каждого отдельного композитора по-разному. И вряд ли я смогу ответить за всех композиторов, ведь я даже и не композитор, хотя сочинять музыку люблю, импровизирую и играю на музыкальных инструментах. Но все же можно какие-то общие закономерности выделить. Скажем, почти у всех композиторов есть голова.
Давай на время забудем о музыке. Возьмём… Ну что возьмём? Например, рисование. Вот тебе не так уж много лет и тебя попросили написать маслом поясной портрет Филиппа Киркорова. Дадут тебе холст, набор красок и скажут – рисуй. Боюсь ошибиться, но, вероятно, Филипп Киркоров будет недоволен полученным результатом. А почему? Скорее всего, получится не очень похоже. А почему? Да потому, что ты ещё не умеешь рисовать портреты. А почему? Потому, что этому нужно долго учиться.
Вначале в художественной школе учат рисовать простые предметы: шары, кубы, гипсовые барельефы. Карандашом или углём. Без цвета. Параллельно изучают строение тела человека, пропорции в природе. Изучают композицию. Свойства красок и лаков. Много чего изучают. И лишь потом, когда ты научился рисовать простые вещи, можно переходить к сложным. Дальше и начинается творчество. Хороший художник постарается схватить эмоцию, впечатление. На хороших портретах видно и то, о чём нарисованный человек думает, какой у него характер. Здесь одной техники рисования не достаточно, нужен талант. Но этот талант не может быть реализован без долгих лет ученичества, без долгой работы над собой.
Такая же ситуация и с композитором, и его головой. Нет такой профессии – композитор. Сначала все будущие композиторы просто учатся играть на каком-то музыкальном инструменте: рояле, скрипке или на барабане. И изучают теорию музыки, историю музыки, учатся петь, изучают звучание различных инструментов. Может показаться, что то, чему их учат, не очень нужно. Но без знаний того, как устроены музыкальные произведения, без знания музыкальной гармонии тяжело даже хорошо исполнять музыку, не говоря уж о том, чтобы её сочинять. Как правило, композиторы перед тем, как сочинять свою музыку, исполняют и изучают чужую, учатся передавать свои эмоции другим людям. А дальше опять включается талант. Это как искра, как неосознанная идея, как образ, который рождается в голове у композитора. Музыка может возникнуть из сна, из яркого впечатления или переживания. Такие образы рождаются, наверное, у всех людей. Но это семечко, эта идея должна упасть на подготовленную почву. Если человек – музыкант, он может сочинить музыку, создать музыкальное произведение. Из такого же образа художник может создать картину, писатель написать книгу, поэт – стихотворение. Это как если бы тебе приснился очень красивый дом или дворец. Обычный человек его забудет, а архитектор может захотеть построить такой дом. Вот тогда-то и требуется ремесло, знание техники строительства.
«Светильник Джека» из тыквы в Хэллоуин.

Дорогие читатели! Присылайте и вы нам свои «наивные» вопросы о музыке! Мы передадим их Алексею Насретдинову и в одной из следующих газет опубликуем его ответы. А пять авторов лучших вопросов получат книжки издательства «Бослен»: «Буравчик на звуковых волнах» и «Буравчик в Греции» с автографом автора.

Стенгазеты благотворительного образовательного проекта «Коротко и ясно о самом интересном» (сайт сайт) предназначены для школьников, родителей и учителей Санкт-Петербурга. Они бесплатно доставляются в большинство учебных заведений, а также в ряд больниц, детских домов и других учреждений города. Издания проекта не содержат никакой рекламы (только логотипы учредителей), политически и религиозно нейтральны, написаны лёгким языком, хорошо иллюстрированы. Они задуманы как информационное «тормошение» учащихся, пробуждение познавательной активности и стремления к чтению. Авторы и издатели, не претендуя на академическую полноту подачи материала, публикуют интересные факты, иллюстрации, интервью с известными деятелями науки и культуры и надеются тем самым повысить интерес школьников к образовательному процессу. Отзывы и пожелания направляйте по адресу: pangea@mail.. Мы благодарим Отдел образования администрации Кировского района Санкт-Петербурга и всех, кто бескорыстно помогает в распространении стенгазет. Отдельное спасибо Алексею Насретдинову за благосклонное отношение к традициям нашего проекта, а также редкое сочетание глубины проработки материала с непринуждённостью стиля изложения.

"Что нужно, чтобы стать профессиональным музыкантом и гитаристом?" Для большинства людей ответ на этот вопрос весьма туманный. Так уж повелось, что обычно вместо ответа или объяснения можно услышать лишь три заявления, которые, по сути дела являются ни чем иным как мифами. Вот они в порядке возрастания ложности.

Миф номер 1: - Если бы все знали, как стать профессионалами, все бы делали это.

Миф номер 2: - Необходимо быть везучим, чтобы тебя заметили и оказаться в нужном месте в нужное время.

Миф номер 3: - Нужно быть очень одарённым и обладать большим количеством связей в музыкальном мире.

Как и большинство подростков-гитаристов моего поколения, я и мои друзья, будучи ещё в школе, верили во все эти мифы, верили, что это и есть ответы на вопрос как издавать свои записи, гастролировать по миру, быть рок-звёздами и.т.п и.т.п... И так как мы практически ничего не знали о том как на самом деле работает музыкальная индустрия, получая подобные ответы от взрослых (которые как и мы не имели ни малейшего представления о том как на самом деле это работает), считали эти мифы вполне логичными.

Так, вдобавок к обычным занятиям музыкантов(уроки игры на гитаре, чтение о музыке, прослушивание записей, упражнения, джем-сейшны с друзьями, организация групп и мечты о том как пробиться),я понял, что мне нужно нечто большее, чем просто продолжать улучшать свои музыкальные способности, мне хотелось понять, как стать профессионалом, как стать удачливым, как угадывать нужное место и нужное время, быть замеченным, быстрее стать более талантливым и завести связи в музыкальном мире.

Стать более талантливым было наилегчайшей задачей, так как я уже занимался у замечательного педагога, кто сильно ускорил мой рост как музыканта (прочитать эту историю вы можете ЗДЕСЬ ( Но вот всё остальное выглядело не столь легким(вдобавок я ещё и жил вдали от музыкальных центров США). Наиболее страшным выглядело для меня то, что практически всё, что, как я думал, мне нужно для успеха, не зависит от меня. На самом деле, наибольшей моей проблемой было то, что я бесцельно, беспорядочно стремился к ненужному. Взглянем на те мифы, о которых я рассказал в начале.

Миф номер 1 - Если бы все знали, как стать профессионалами, все бы делали это .

Трудно представить себе более ложное высказывание... В мире миллионы гитаристов, которые хотят стать профессионалами, известными, успешными и тп. Теперь, когда я знаю (и сделал) то, что необходимо, чтобы стать профи, я знаю, что большинство людей просто не хотят делать то, что нужно, чтобы стать профессионалом. Многие говорят об этом, мечтают, некоторые даже пытаются, но только малое количество обладает волей, чтобы постоянно, целеустремлённо, интенсивно двигаться вперед долгое время. Это также объясняет, почему столь многие люди в Америке, которые хотят быть богатыми, небогаты....возможности предоставляются всем. И проблема не в том, что люди не знают, что делать. Проблема в том, что люди выбрали бы не делать того, что нужно, даже если бы они знали, что это следует сделать.

Миф номер 2 - Необходимо быть везучим, чтобы тебя заметили и оказаться в нужном месте в нужное время.

По поводу удачи я мог бы говорить часами, но лучше приведу одну цитату -

"Удача - это результат замысла приведенного в исполнение"

"Удача может быть создана, направлена, управляема и контролируема" (по крайней мере в нашем случае)

Оказаться в нужном месте в нужное время очень и очень легко. Bы cлышали о музыкальных выставках? A o выставках звукозаписывающих компаний? A o музыкальных фестивалях, и конкурсах? Эти и многие другие места в мире могли бы оказаться теми, куда Bы (Да-да именно ВЫ) могли бы принести свои записи,CD, демки и дать их продюсерам, издателям и другим людям из музыкального мира.

Ну что, ответ получился вроде "Ну, наверно продюсеры ищут 2-3 гитаристов\группы, и если пришло более сотни, то 98 процентов уходят ни с чем.?” Вроде логично, но истинно ли причина в этом? Вовсе даже НЕТ.

Большую часть времени это продюсеры уходят домой ни с чем. Они встречают очень много музыкантов, но решают не работать ни с кем из них. Необходимо отметить, что музыкальнaя индустрия жаждет новых талантов, и новой музыки. Многие из музыкантов, пришедших на эти мероприятия, приносят замечательную музыку, а также весьма продаваемую. Вроде всё совпало, можно бы и контракт заключить… Но всё не так просто. Компании занимающиеся раскруткой, не собираются вкладывать сотни тысяч долларов в карьеру человека, в котором они не уверены АБСОЛЮТНО, дабы не потерять колоссальные финансовые\временные вложения. Вот мы и добрались до правды - вложение крупных средств в людей экстремально рискованно. Когда музыкальная компания решает работать с Bами, они не просто работают с вашей музыкой - они работают с ВАМИ. Необходимо убедить их, что вложение в Bас денег принесет выгоду с минимальным риском. Да, издатели хотят хороших песен, а звукозаписывающие компании хороших музыкантов и записей, но все они хотят найти подходящих людей. Это вовсе не обязательно означает людей с громким именем.

Приведу простейший пример. Представим себе отличного музыканта, в замечательной группе с прекрасными вещами. Допустим также, что у этих ребят уже имеется своя фан-база, они даже продали достаточное количество записей (для группы без контракта со звукозаписывающей компанией). А теперь представим себе, что солист группы и автор песен наркоманы. Каково быть на месте менеджера звукозаписывающей компании...? Вложили бы вы на их месте СВОИ $450,000 долларов в группу с хорошими песнями, фан-базой, но основные члены которой умственно нестабильные недоделки? Я бы не стал, и так же поступило бы большинство компаний. Раньше компании иногда заключали договора с подобного рода отморозками, но заканчивалось это в большинстве случаев плачевно для всех. Это был утрированный пример, но он ярко показывает, как риск, связанный с людьми, может погубить возможности.

По многим причинам музыкальная индустрия становится всё более и более сложным руслом зарабатывания денег для звукозаписывающих контор. (Стоило бы рассмотреть эту тему подробнее, но она слишком обширна для рассмотрения здесь и сейчас.) Вывод - в поисках музыкантов для продвижения звукозаписывающие компании будут искать много больше, чем музыкальные способности человека, его группы и качества их записей. Большинство групп не понимают, почему их последний диск, состоящий из хитов, не пользуется спросом у воротил музыкальной индустрии.

Продюсеры и издатели, звукозаписывающие компании и менеджеры жаждут новых талантов. И если бы все 100 из тех, кто пришёл, соответствовали требованиям, все они получили бы множество возможностей.

Огромное заблуждение - что конкуренция слишком велика, что слишком многие хотят стать рок-звёздами. В реальности, проблема не в том, что у звукозаписывающих компаний слишком большой выбор музыкантов. На самом деле еле хватает людей, у которых есть "весь набор достоинств". Этот набор состоит далеко не только из группы и их песен. То, чего недостаёт большинству музыкантов, чаще всего находится(или не находится) у них в головах. Жанна Д"Арк как то сказала "Все битвы сначала выигрываются или проигрываются в уме". Ныне это ещё более актуально, чем в ее время.

Миф номер 3 - Нужно быть очень одарённым и обладать большим количеством связей в музыкальном мире.

Собственно, проблемы с этим мифом тe же, что и со вторым. Добавлю только насчёт связей - персонал звукозаписывающих компаний, менеджеры, продюсеры и издатели знают тысячи музыкантов(а в своей жизни встречали и ещё больше). Если кто-то кого-то знает, это ещё ничего не значит....если не выполнены два условия:

1.У Bас с этим человеком дружеские отношения (ведь просто знать о человеке ещё ничего не значит)

2. Вы- "подходящий человек". Да, у Bас должен быть музыкальный талант, но, как было сказано выше, этого мало. Вложение средств в вас должно быть безопасным и выгодным.

Много лет ушло, чтобы понять это, но теперь я знаю, что это правда. Конечно, можно найти и некоторые исключения из правил. И чем глубже в древности мы будем искать, тем чаще будут встречаться эти исключения. Но музыкальная индустрия сегодня - совсем иное, чем она была в 1970-е,80-е,90-е,и даже в первые 2-4 года этого десятилетия. Индустрия развивается быстрыми темпами, и природа ее изменилась до неузнаваемости. Но, как музыкантам, вам нужно понять главное:

Компании гораздо реже идут на риск в последнее время.

Наибольший риск компаний - вложение средств в людей (музыкантов и группы).

Это основная причина, почему в моей Music Careers Mentoring Program моя основная задача - развитие способности мыслить как "подходящий человек". Только позже мы начинаем работу над остальными средствами и возможностями музыканта для использования в нынешней или будущей карьере.

Итак....мой совет для готовящихся к музыкальной карьере:

1.Сконцентрируйтесь на своём сознании, найдите всё, что вы можете предложить муз.индустрии и избавьтесь от всех слабостей(в мыслях, привычках, действиях),которые могут показаться звукозаписывающим компаниям риском.

2.Постоянно работайте над сочинением музыки.

3.Узнавайте как можно больше про индустрию, в которой вы хотите зарабатывать, и не слушайте никого, кто не жил этим делом. Если Bы хотите гастролировать по всему миру, не слушайте тех, кто не гастролировал. Если вы хотите продавать по всему миру свои записи, не слушайте тех, чьи записи не продаются по всему миру. Кстати говоря, в связи с этим плохой идеей (но не всегда) будет учиться законам музыкальной индустрии в университете, тaк кaк большинство преподавателей там не гастролируют или никогда не гастролировали по миру, иначе бы они не преподавали а были сейчас где-то в Европе или Америке, живя тем, про что они рассказывают (Естественно, есть и исключения, Bам вполне могут встретиться преподаватели, которые в прошлом занимались этим).

В Америке есть такая шутка: "Значит вы - автор песен? И в каком ресторане вы работаете? ". Многие авторы, которых сейчас знает весь мир, зарабатывали на жизнь совсем другими вещами, прежде чем к ним пришла известность в музыкальном бизнесе. Все эти годы они находили время, чтобы двигаться по пути к авторскому успеху.

Понятно, что достаточно сложно работать полный рабочий день, поддерживать отношения с друзьями и родственниками, выполнять все обязанности, которые возлагает на нас повседневная жизнь, и вместе с тем, находить время и силы, чтобы писать песни. Но практически каждому автору, который сейчас достиг успеха, приходилось в прошлом совмещать все это.

Если вам не хватает времени, чтобы писать, посмотрите повнимательней, на то, как вы тратите время.

Часы, проведенные перед телевизором, или в Интернет-чатах, или за компьютерными играми, можно потратить на работу над песнями. У кого-то вдохновение может просыпаться утром, тогда можно встать на час раньше, и писать, пока никто еще не мешает, или наоборот, кому-то будут удобнее выделить час перед сном. Вместо того чтобы жаловаться, что вы не смогли найти время, чтобы поработать над песнями, лучше выясните, на что вы его потеряли.

Не стоит влезать в долги, рассчитывая, что вы сможете продержаться, пока вы внезапно не станете сверхуспешным автором; дорога к успеху, скорее всего, займет гораздо больше времени, чем вы можете ожидать. Реалистические прогнозы на будущее помогут вам сохранить правильную перспективу и не потерять надежду в ожидании настоящего прорыва.

Между тем, как у вас появилось желание стать известным музыкантом (диджеем ), автором супер-хитов и достижением этой цели, могут уйти многие годы. Желание достичь поставленной цели и оптимизм - очень важные вещи. Но когда какой-нибудь начинающий автор говорит, что его песня будет во всех хит-парадах и чартах в течение ближайшего года, можно только улыбнуться и сказать ему, что будем надеяться, именно так и случится. Шансы на это также невелики, как на то, что вас дважды ударит молнией в течение одного дня.

Умение писать эффективные песни достигается со временем, такое умение можно сравнить с развивающим учебным процессом. Это похоже на то, как ребенок учится ходить. Ведь для того, чтобы научиться этому, он должен овладеть многими навыками: сначала развивать мышцы, научиться сохранять баланс, научиться еще многому другому, чтобы все эти навыки привели его к первым неуверенным шагам. Некоторые из навыков невозможно изучить сразу - им требуется время, чтобы развиться. То же самое происходит и с авторами.

Советы, которые вы можете здесь найти, помогут вам. Но, если у вас нет исключительного везения, то дорога к успеху будет долгой, со многими препятствиями, разочарованиями и неудачами. Хочется надеяться, что раз вам теперь это известно, вы будете более терпеливы в процессе обучения. Некоторые ныне успешные авторы жили многие годы в состоянии депрессии от неудач, вместо того, чтобы рассматривать свою жизнь как путешествие по дороге к успеху. Существуют тысячи историй о необычайно успешных песнях, которые были записаны и стали хитами лишь спустя много лет после своего рождения.

Преодолевать препятствия на пути к успеху .

Существует неисчислимое количество песен, от которых артисты сначала отказались, но потом записали их и эти песни стали хитами. Иногда песня может быть отклонена, потому что она чуть меньше хороша, чем песни, написанные вашими конкурентами, или потому, что она не вполне подходит для конкретного проекта. Люди, которые ежедневно слушают десятки песен, могут допустить ошибку. Практически у каждого профессионала музыкальной индустрии есть истории (о которых он может и молчать), о том, что он не оценил одну или несколько песен, которые впоследствии стали хитами. Иногда ответ "нет" может обозначать, что вам надо проявить творческий подход и найти другие способы, чтобы вашу песню услышали. A&R какого-то артиста может не оценить песню, но она может понравиться артисту и продюсеру. Может быть, песню оценит директор артиста, или другой представитель компании. Не давайте отказу остановить вас. Возможно, стоит попробовать зайти через другую дверь.

Если бы умение писать хиты было простым и легкодостижимым, то каждый автор писал бы только хиты. Существует много препятствий, которые стоят между начинающим автором и успехом. Иногда самыми главными барьерами являются те, которые мы сами себе создаем. Именно их и труднее всего разглядеть.

Количество навыков, которыми должен обладать успешный автор, может показаться недостижимым. Необходимо не только знать структуры песен, технику написания текстов и мелодий, еще нужна настойчивость, готовность работать не покладая рук, знания по продюссированию демо, нужно найти издателя, узнать многое о музыкальном бизнесе, завести связи, найти единомышленников, и научиться продвигать свои песни.

Хорошие же заключаются в том, что вам не обязательно заниматься всем этим сразу. Составьте список ваших сильных сторон как автора. Включите в него ваши умения по написанию эффективных мелодий и слов, а также такие качества, как настойчивость, желание много работать и возможность профессионально вести авторский бизнес. Когда вы увидите ваши сильные и слабые стороны, изложенные на бумаге, вам будет легче выделить те сферы, на которых нужно сконцентрироваться. Можно выделить одну - две сферы, с работы над которыми нужно сконцентрироваться в первую очередь, потом таким же образом браться за остальные. Также важно разработать план, в котором будут поставлены ближайшие и долгосрочные цели. Не надо себе говорить: "Одна из моих песен станет хитом на всех радиостанциях через три месяца". Этого не произойдет, даже если вы вчера написали великолепную песню. Требуется гораздо больше трех месяцев, чтобы песня была записана, выпущена в коммерческий оборот и поднялась в чартах. Полезнее будет сказать себе, например: "Я буду писать по полчаса пять дней в неделю, особенно концентрируясь на повествовательных текстах, которые привлекут людей вне зависимости от их статуса, и которые будут идти прямо из сердца".

Обычно планы проще строить, чем их придерживаться. Если вам это будет тяжело, найдите со-автора, который поможет вам следовать по этому плану.

Обратите внимание на помехи, которые вы сами себе создаете. Проанализируйте, что вам мешает для достижения поставленной цели, что именно не дает вам потратить время на творческую деятельность и выработать какие-то необходимые навыки, и уничтожайте их одну за другой.

На начальных стадиях вашего развития как автора, лучше всего сконцентрироваться на оттачивании навыков и мастерства. Если вы пишете как минимум год, и у вас есть двадцать готовых песен, вам также нужно начать думать и о коммерческой стороне дела.

Один из основных навыков, необходимых для успеха в авторском бизнесе - это устойчивость перед лицом неизбежных отказов и связанного с ними разочарования. Авторов, которые воплощают свои мечты, от авторов, которые сдаются, отличает то, что они могут превратить свое разочарование от неудач в еще более сильное стремление к успеху. Существует, по крайней мере, тысяча причин, по которым вашу песню могут не взять. Если полученная реакция подразумевает, что вы написали сильную песню, но она не подходит данной компании или артисту, значит вы пока просто не нашли нужного места для своей песни. Но если вы постоянно получаете ответы, что песня не соответствует профессиональным стандартам, или что-то конкретное в ней нужно изменить, тогда вам нужно дорабатывать ее.

По приблизительным подсчетам, доход профессиональным авторам приносят только 5% песен, написанных ими, остальные 95% никогда не становятся коммерчески успешными. Интересно, что для того чтобы стать успешными, авторам с одной стороны нужно вкладывать всю душу в свои песни, а с другой - развивать чувство отстраненности от этих песен, для того, чтобы выдержать разочарование, которое подчас может быть опустошающим. Запомните: ваша ценность как личности не определяется уровнем коммерческого успеха, которого вы достигли как автор.

Вот правильные способы, которые позволяют справляться с разочарованием и становиться еще сильнее:

1. Научитесь извлекать урок из каждого события.

Спросите себя, можно ли найти что-нибудь положительное в этом отказе. Можно ли извлечь какой-то урок - может, что-то нужно изменить в этой песне, или в песнях, которые вы собираетесь написать, или в том, как вы ведете бизнес? Оставайтесь восприимчивыми к конструктивной критике.

2. Увеличивайте свою целеустремленность.

Одни из наиболее успешных людей в любой сфере - это те, кто использует каждую свою неудачу в качестве мотива, чтобы еще больше работать над достижением своих целей. Если вы говорите себе: "Я покажу, насколько хороши могут быть мои песни. Неважно, сколько на это уйдет времени, но я напишу настолько мощную песню, что ее не смогут отклонить," - это гораздо продуктивнее, чем говорить: "Думаю, это доказывает, что я не способен писать песни. Я никогда не достигну успеха".

3. Реально оценивайте свои возможности.

Возможно, вам нужно произвести переоценку своих ожиданий. Может, ваши виды на будущее слишком завышены по отношению к той стадии, на которой вы сейчас находитесь как автор. Если вы пишете всего в течение 1-2 лет, в свободное время, нереально ожидать что ваши песни будут так же хороши, как те, которые были написаны профессиональными авторами, оттачивающими свое мастерство в течение многих лет.

4. Никогда не сдавайтесь (пока вы наслаждаетесь процессом).

Помните, что если пока вы не достигли какого-то конкретного проявления успеха, то мысль об этом не должна препятствовать достижению ваших целей в будущем.

Не каждый автор, который читает эти советы, увидит, как его песни поднимаются на вершины чартов. Некоторые может и увидят. Но каждый автор, который много работает, шлифует мастерство, оставаясь при этом восприимчивым к конструктивной критике, будет продолжать расти и улучшать свои навыки. Нахождение удовольствия в процессе написания песен, чувство удовлетворенности, которое приходит со знанием того, что вы передали ваши мысли так, что они нашли отклик в других сердцах, - это и есть успех. Счастливого вам пути!