Презентация "композиторы венской классической школы". Классицизм

Классицизм - стиль и направление в искусстве XVII - начала XIX вв. Слово это произошло от латинского classicus - образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что всем ходом вещей в природе и жизни управляет единый, всеобщий порядок, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.
Вдохновленные идеей порядка, законченности и совершенства художественного произведения, классики, создали целую систему строгих правил, которым оно должно отвечать. Поэтому главными качествами, отличающими сочинения лучших представителей классицизма, были упорядоченность, гармония, внутреннее единство целого и его частей, строгие пропорции.
Как направление искусства классицизм зародился во Франции. Его принципы были утверждены в классицистских трагедиях драматургов П. Корнеля и Ж. Расина. Это было еще в XVII веке. В музыке той поры виднейшим представителем классицизма стал Ж. Б. Люлли - создатель жанра «лирической трагедии». В начале XVIII века его сменил Ж. Ф. Рамо. Лирическая трагедия рассказывала о высокой героике, сильных, благородных чувствах людей. Но для выражения их был создан сложный свод специальных законов. Поэтому Французская опера превратилась в предельно условное зрелище, подчиненное строгим канонам. Вырваться из них не удалось ни одному представителю раннего классицизма.
И вот пришел XVIII век. Мы называем его веком Просвещения. Это было время преклонения перед философией, разумом, наукой. И это не случайно. Люди той эпохи считали, что человека можно научить всему. А если победить невежество, распространение культуры и торжество разума приведут к искоренению зла на земле. Ведь XVIII век был и веком революции. Французская революция 1789 года провозглашала идеи свободы, равенства, братства, благодаря которым может быть создано царство свободы, создан мир справедливости и счастья. Эти идеи были восприняты представителями второго этапа классицизма - просветительского.
К этому времени относятся становление и утверждение еще одной национальной школы - в Австрии. Так как развитие музыкальной культуры в Австрии было связано в основном с ее столицей - Веной, новая школа получила название «венской классической». С венской классикой связано начало расцвета симфонической музыки. Величайшими представителями этой школы стали Гайдн, Моцарт и Бетховен.
Их творчество явилось высшей стадией развития классицизма. Они также стремились к целостности художественного произведения, совершенству формы и строгим пропорциям ее частей. Но в их произведениях эти единство и законченность достигались в движении, становлении, борьбе противоположностей. Выражением такого развития в музыке является принцип симфонизма. Его главная особенность заключается в особом образе развития музыкальных мыслей. Каждая новая идея, новый музыкальный образ вырисовываются постепенно. Они как бы рождаются из первоначальной музыкальной мысли. Главная партия порождает контрастную ей, побочную и т.д. Именно симфонизм стал главным завоеванием венских классиков.
И именно он открыл для музыкального искусства новые пути.
Понятия «классика» и «классицизм» различны. Они очень похожи, ведь произошли от одного слова, но понятие в них вкладывается не одно и то же. Классицизм - направление в искусстве XVII - начала XIX века. А вот под классикой подразумеваются образцовые, совершенные произведения искусства. Музыкальной классикой являются не только сочинения великих композиторов, но и лучшие образцы народного творчества. Конечно, по-разному складываются судьбы таких произведений. Одни сразу же попадают в разряд классики. Яркий пример тому - произведения Моцарта, Глинки, Чайковского. Другие лишь через время бывают поняты и также причисляются к классике. Так было с творениями Баха, Мусоргского, Вагнера. К музыкальной классике относятся не только творения композиторов прошлого, но и образцы современной музыки. Истинно классическими являются произведения Прокофьева, Шостаковича, Дебюсси, Равеля, Стравинского и многих других композиторов.

ВЕНСКАЯ КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА, венская классика (немецкий Wiener Klassik), стилевое направление в европейской музыке, положившее начало классико-романтичной эпохе 2-й половины 18 - 19 веков. Представители - Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. ван Бетховен, работавшие в Вене. Венская классическая школа преемственно связана с берлинской школой, мангеймской школой, а также ранней венской школой (Г. К. Вагензейль, М. Г. Монн, И. Г. Ройтер, Й. Старцер), составившими эпоху, переходную от музыкального барокко к музыкальной классике (смотри также Галантный стиль). Вобрала опыт итальянской и французской оперы 18 века, немецкого и австрийского зингшпиля. В разное время и в разной степени испытав влияние И. С. Баха и его сыновей, Г. Ф. Генделя, Дж. Б. Саммартини, К. В. Глюка (начавшего свою оперную реформу в Вене в 1760-е годы и завершившего её в Париже), Й. А. Бенды, И. Шоберта, венские классики обобщили весь предшествующий опыт музыкального искусства и сформировали свой собственный стиль, отразивший подъём немецкой и австрийской культуры, идеи европейского Просвещения. Венская классическая школа родственна веймарской классике в литературе (И. В. Гёте, Ф. Шиллер; смотри Веймарский классицизм), имеет параллели в интеллектуальной жизни эпохи (классическая немецкая философия). Отчасти согласуясь со стилевой системой классицизма, общей для разных видов искусства и ориентированной на каноны античной художественной классики, творческие достижения венской классической школы независимы от античности (музыкальных памятников которой почти не осталось) и сами образуют ценностную вершину европейского музыкально-исторического процесса.

В произведениях венских классиков завершился процесс становления новоевропейской так называемой автономной музыки - светской, свободной от прикладных задач обслуживания ритуала, быта, культа. Музыкальная композиция, ранее считавшаяся ремеслом, стала высоким искусством - самоценным, независимым от слова и изображения, науки и религии. Беспрограммная инструментальная музыка приобретает статус универсального «языка чувств», допускает и конкретные образные ассоциации (их порой подсказывает общность мелодического лексикона оперы и симфонического тематизма), становится объектом пристального вслушивания, понимания и истолкования. В ней стали видеть идеальное тождество этического и эстетического («прекрасное и доброе» - одно из «общих мест» в письмах Л. ван Бетховена). Освобождение музыки от внехудожественных целей, обретение ею новых смыслов совпало с появлением в музыкальной жизни Вены публичных концертов, удешевлением нотопечатания, формированием нового типа музыканта - свободного художника, становлением исполнительских специализаций (в частности, профессии пианиста). Стали популярными «академии» - концерты-бенефисы по подписке в пользу композиторов. Расцвет домашнего (сольного и ансамблевого) музицирования породил повышенный спрос на инструментальную музыку. Важная историческая заслуга венских классиков - окончательная кристаллизация 4-частного сонатно-симфонического цикла (смотри Циклические формы), сонатной формы, классической вариационной формы и жанров симфонии, сонаты, концерта и камерного инструментального ансамбля. В их партитурах стабилизировался состав малого симфонического оркестра, группы инструментов приобрели функциональную определённость. Лабораторией инструментального письма служили жанры прикладной музыки (дивертисменты, серенады, ансамбли для духовых); благодаря им В. А. Моцарт стал первооткрывателем подлинно оркестровой звучности (комбинируя натуральные медные духовые инструменты с деревянными, композитор добился полноты и ровности звучания аккордов во всех регистрах). При преобладающем гомофонном типе письма камерные ансамбли (фортепианное трио, струнный квартет и др.) обогатились полифонией. Хоровая полифония по традиции занимала значительное место в жанрах церковной музыки (месса, мотет и др.), но в соответствии с общей тенденцией к секуляризации искусства была временно потеснена гомофонией сольных арий и ансамблей, преимущественно в стиле итальянского оперного бельканто; её возрождение связано с Мессой с-moll и Реквиемом Моцарта.

Просветительский идеал человека как свободной, разумной и активной личности сказался в музыкальном мышлении, которое у композиторов Венской классической школы стало особенно динамичным. Классические чёткость и энергию, способность охватить многообразные типы музыкального движения приобрела тактовая ритмика; важнейшим смыслообразующим началом стала разветвлённая система темпов (их итальянские наименования - следы барочных аффектов теории). Рациональная выверенность звукоотношений, логическая централизованность тонально-модуляционной системы, базирующейся на темперации, повлекли за собой вытеснение всех известных в то время ладов двумя - мажором и минором. На общеевропейской почве мажорно-минорной тональности стал возможным интернациональный синтез, достигнутый композиторами Венской классической школы: претворение интонаций многонационального австрийского фольклора в инструментальных циклах И. Гайдна; стиль В. А. Моцарта, подлинного «гражданина мира», впитавший во всех жанрах (оперы, симфонии, концерты для инструментов с оркестром, ансамбли для различных составов, сонаты) наиболее ценные музыкальные достижения культурных столиц Европы 18 века; сплав немецко-австрийской, французской (главным образом героической, связанной с эпохой наполеоновских войн) и славянской интонационности в музыке Л. ван Бетховена.

Венской классической школе стилистически близки композиторы «второго плана»: И. Г. Альбрехтсбергер (был известен и как теоретик), К. Диттерсдорф, ученики Моцарта Ф. К. Зюсмайр и И. Н. Гуммель, а также Й. Вёльфль (автор симфоний, считавшийся главным соперником Бетховена в Вене). Непосредственное влияние венской классической школы испытали ранние романтики (Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон); её воздействие сказалось на ходе всей европейской истории музыки 19 века (главным образом в области симфонического творчества, особенно заметно - у И. Брамса).

Лит.: Adler G. Die Wiener klassische Schule // Adler G. Handbuch der Musikgeschichte. 2. Aufl. В., 1930. TI 2. В., 1961; Яловец Г. Юношеские произведения Бетховена и их мелодическая связь с Моцартом, Гайдном и Ф. Э. Бахом // Проблемы бетховенского стиля. М., 1932; Бюкен Э. Музыка эпохи рококо и классицизма. М., 1934; Конен В. Театр и симфония. Роль оперы в формировании классической симфонии. 2-е изд. М., 1975; Rainer L. G. Classic music: Expression, form, and style. N. Y.; L., 1985; Аберт Г. В. А. Моцарт. 2-е изд. М., 1987-1990. Ч. 1-2. Кн. 1-4; Роллан Р. Музыкально-историческое наследие. М., 1988. Вып. 3; Eggebrecht Н. Н. Musik im Abendland. Мünch.; W., 1991; Blume F. Klassik // Epochen der Musikgeschichte in Einzeldarstellungen. ; Кириллина Л. Классический стиль в музыке XVIII - начало XIX вв.: самосознание эпохи и музыкальная практика. М., 1996; Rosen Ch. The classical style. 2nd ed. N. Y.; L., 1997; Чигарева Е. И. Оперы Моцарта в контексте культуры его времени. М., 2000; Фортунатов Ю. А. Лекции по истории оркестровых стилей. М., 2004.

Композиторы Й. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. Бетховен принадлежат художественному направлению европейской музыкальной культуры второй половины 18 – начала 19 века под названием «Венский классицизм». Основные художественные принципы данного направления представлены в музыке на рубеже 18-19 веков, т.к. в раннем творчестве Гайдна и Моцарта они только зарождались, а поздний Бетховен уже близок к следующему направлению — романтизму.

Венский классицизм подготовлен художественным опытом предшественников и современников, в том числе итальянской и французской оперой и инструментальной музыкой, немецкой музыкой (Гендель, Бах, мангеймская школа).

Что предшествовало зарождению эпохи венских классиков — Музыка Австрии

В 17 в. начинает развиваться музыкальный театр. Осуществляются музыкально-драматические постановки (кайзершпили). Под влиянием итальянской музыки сформировалась итальянская придворная оперная труппа, ставились оперы (в т.ч. оперы К. Монтеверди).

В 1708 г. в Вене построен новый придворный театр, появляются австрийские певцы.

С середины 18 в. музыке отводилась ведущая роль в культуре Австрии. Открывались аристократические домашние театры и капеллы. Распространилась развлекательная инструментальная музыка – дивертисменты, серенады. Устраивались симфонические концерты и оперные спектакли. Ставились венские музыкальные комедии под руководством И. Страницкого – одного из основоположников австрийской национальной комической оперы-зингшпиля.

Композиторы-предшественники венских классиков – Г. Муффат, Г. К. Вагензейль, Г. М. Монн, Г. Ройтер и другие.

Представитель музыкального классицизма К. В. Глюк был близок к исканиям венских классиков.

Характерные черты эпохи Венского классицизма:

универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы;
органичное сочетание чувства и интеллекта, трагического и комического, тонкого расчета и естественности, непринужденность высказывания.

В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедших наиболее полное воплощение в сонатно-симфоническом цикле.

Для эпохи венских классиков характерны:

расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерты и камерные ансамбли.
окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла.
черты: строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. Формируется форма периода, индивидуализируется музыкальный тематизм.

Расцвет классицизма совпал со становлением симфонического оркестра – в эту эпоху определился его стабильный состав, выделились группы оркестра.

Сложились типы камерных ансамблей: фортепианное трио, струнные квартеты и т.д.

Выделилось широкое направление сольной клавирной музыки.

Развились разные типы опер (у Моцарта) – лирическая и социально-обличительная комедия, музыкальная драма, философская опера-сказка и др.

Гайдн – создатель инструментального стиля венских классиков. В его сочинениях утвердился 4-частный сонатно-симфонический цикл, исполнительский состав и тип тематизма.

Гайдну оказалась наиболее близка инструментальная сфера, он больше тяготел к объективным народно-жанровым образам. Бетховен – к героике. Моцарт – к разнообразным оттенкам лирических переживаний.

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, – будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles – можно отнести к классическим произведениям.

Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность.

К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве.

Эпоха классицизма

Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.

В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.

Эстетические установки классицизма

В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность . Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры . «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Классицизм в музыке – венские классики

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений.

Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как .

Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.

Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность . Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной.

Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом . Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.

В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Жанры музыкального классицизма

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.

В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу.

Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.

Сонатная форма

Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра.

Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии.

Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела:

первый раздел – экспозиция (проведение основных тем),
второй – разработка (развитие и сопоставление тем)
и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем).

Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.

Сонатно-симфонический цикл

По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл.

Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей:

I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro;
II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма);
III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная;
IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.

Концерт

Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в , в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.

Струнный квартет

Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра.

Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным.

Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).

Введение 3

1. Венская классическая школа как художественное направление

в музыкальной культуре XVIII– начала XIXвека 4

1.1. Особенности стиля венской классической школы 4

1.2. Музыкальные жанры 7

2. Ф.Й. Гайдн – основоположник венской классической школы 10

3. Музыкальный гений – В.А. Моцарт 12

4. Творческий путь Л. ван Бетховена 16

Заключение 19

Список использованной литературы 20

Введение

На протяжении XVIIIвека в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и др.) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе».

Венская классическая школа, органически впитавшая в себя передовые достижения национальных музыкальных культур, сама была явлением глубоко национальным, коренилась в демократической культуре австрийского народа. Представителями данного художественного направления были Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен. Каждый из них являлся яркой индивидуальностью. Так, стиль Гайдна отличало светлое мировосприятие, ведущая роль жанрово-бытовых элементов. Для стиля Моцарта более характерным было лирико-драматическое начало. Стиль Бетховена – воплощение героического пафоса борьбы. Однако наряду с отличиями, обусловившими неповторимость индивидуальности каждого из этих композиторов, их объединяют реализм, жизнеутверждающее начало и демократичность.

Искусство венских классиков внесло в мировую музыкальную культуру мощную реалистическую и демократическую струю, основанную на богатствах народного творчества, и потому оно сохранило для нас всю свою ценность и художественную значимость.

1. Венская классическая школа как художественное направление в музыкальной культуре XVIII – начала XIX века

1.1. Особенности стиля венской классической школы

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus – «образцовый») возник в XVII веке во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке.

Деятельность композиторов венской классической школы была подготовлена художественным опытом их предшественников и современников, включая итальянскую и французскую оперу и инструментальную культуру, достижения немецкой музыки. Огромную роль в становлении венской классической школы сыграли музыкальный быт Вены – крупнейшего музыкального центра, музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Искусство венских классиков тесно связано с общим подъёмом австро-немецкой культуры, с просветительством, отразившим гуманистические идеалы третьего сословия в преддверии Великой французской революции. Творческие идеи венских классиков тесно соприкасаются со взглядами Г.Э. Лессинга, И.Г. Гердера, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, с некоторыми положениями французских энциклопедистов.

Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания.

В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-хчастного сонатно-симфонического цикла.

Музыка композиторов венской классической школы – новый этап в развитии музыкального мышления; для их музыкального языка характерны строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. В их творчестве формируются классические типы музыкальных структур – период, предложение и др.

Расцвет венской классической школы совпал с общим процессом становления симфонического оркестра – его стабильного состава, функциональной определённости оркестровых групп. Сложились главные классические типы камерных ансамблей – фортепианное трио, струнный квартет и др. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы – лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и др.

Каждый из мастеров венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен – к героике, Моцарт, будучи универсальным художником – к разнообразным оттенкам лирического переживания.

Творчество композиторов венской классической школы, принадлежащее к вершинам мировой художественной культуры, оказало огромное влияние на дальнейшее развитие музыки.

1.2. Музыкальные жанры

Как уже отмечалось выше, в творчестве композиторов венской школы многие музыкальные жанры получили свой классический облик. В данном разделе нашего реферата рассмотрим наиболее значительные из них.

Симфония

Наиболее сложная форма инструментальной музыки – симфония (греч. «созвучие»). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья – контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu – «маленький, мелкий»), распространённого салонного танца XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от итал. scherzo – «шутка») - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть – финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

Композиторы венской школы придали симфонии необычайную гибкость и способность воплощать в обобщённой форме разнообразные стороны человеческого бытия. Ими созданы различные типы симфонизма – народно-жанровый, лирико-драматический, героико-драматический, которые впоследствии были развиты и обогащены композиторами-романтиками.

Сонатная форма

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы – главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от лат. expositio– «изложение, показ»). Главная звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения (например Симфония до мажор). Побочная обычно излагается в иной тональности – между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице» полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например, будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменяют характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre – «возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза – итог сложного пути, к которому темы приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде (от итал. coda – «хвост»), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.

Соната

Один из основных жанров инструментальной музыки - соната (итал. sonata, от sonare – «звучать»). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья – финал, исполняемый в быстром темпе. Он подводит итоги и окончательно определяет общий характер произведения.

2. Ф.Й. Гайдн – основоположник венской классической школы

О музыке Йозефа Гайдна – одного из основателей венской классической школы – его друг и младший современник Вольфганг Амадей Моцарт писал: «Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн». С творчеством Гайдна связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая утерянных), струнный квартет (восемьдесят три), клавирная соната (пятьдесят две). Большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке.

Родился Франц Йозеф Гайдн в деревне Рорау (Австрия) в семье каретного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору приходилось зарабатывать на жизнь перепиской нот, игрой на органе, клавире и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исключён из капеллы. Только через четыре года он нашёл постоянную работу – устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкальное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию.

В 1761г. Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководителя капеллы почти тридцать лет. В 1790г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это дало мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90-х гг. Гайдн подолгу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по достоинству оценили современники – композитор стал обладателем множества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют «отцом» симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки.

В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким образом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта особенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях ритмика третьей части (менуэта) нарочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие попытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна симфония №94 (1791г.). В середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр – чтобы слушатели «не скучали». Не случайно произведение назвали «С боем литавр, или Сюрприз». Гайдн нередко использовал приём звукоподражания (поют птицы, бродит по лесу медведь и т.п.). В симфониях композитор часто обращался к народным темам, в основном к славянским – словацким и хорватским.

Представителям венской классической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра – яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Эти правила основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого – не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра.

Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории («Сотворение мира», 1798г.; «Времена года», 1801г.).

3. Музыкальный гений – В.А. Моцарт

Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека («Буря и натиск», отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт – музыкант капеллы архиепископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу «Аполлон и Гиацинт», а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы «Митридат, царь Понтийский». Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье.

Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781гг.) – был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбурга. Однако независимый характер мастера вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром).

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения – целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.

Моцарт не стремился к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа.

Моцарт часто обращался к литературным источникам. Так опера «Свадьба Фигаро» (1786г.) написана по пьесе французского драматурга П.О. Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро», которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы – любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения, а всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора – совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых.

В опере «Дон Жуан» (1787г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами и жанрово-бытовыми элементами. Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок «Весёлая драма». Казалось бы в финале справедливость торжествует – порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти.

Философская сказка-притча «Волшебная флейта» (1791г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения – неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.

Моцарт главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа.

Будучи представителем венской классической школы. Моцарт большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии – Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая («Юпитер»), созданные в 1788г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы. Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других драматизм и эмоциональные контрасты.

Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии (музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме). Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта – отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические (прежде всего «Господи, помилуй!») олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема – страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия.

Мастер так и не успел дописать реквием, он был доработан по наброскам композитора его учеником Ф.К. Зюсмайром.

Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

4. Творческий путь Л. ван Бетховена

«Музыка должна высекать огонь из груди человеческой» – это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры.

Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – запечатлело черты нового романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре.

Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист К.Г. Нефе. Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием.

В 1792г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Й. Гайдна, И.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальери (крупнейших музыкантов той эпохи). Альбрехтсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.

Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным. Его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.

Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг – он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802г. приготовил завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья («Героическая») симфония.

В 1803-1808гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название «Крейцерова»), Двадцать третьей («Аппассионатой») для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808г.).

Шестая («Пасторальная») симфония имеет подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура – пять частей вместо четырёх. В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена впоследствии использовались многими композиторами-романтиками.

Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды «К радости» И.Ф Шиллера.

В первой части музыка сурова и драматична: из хаоса звуков рождается чёткая и очень масштабная тема. Вторая часть - скерцо по характеру перекликается с первой. Третья часть, исполняемая в медленном темпе, - это спокойный взгляд просветлённой души. Дважды в неторопливое течение музыки врываются звуки фанфар. Они напоминают о грозах и битвах, но изменить общий философский образ не в силах. Эта музыка – вершина лирики Бетховена. Четвёртая часть – финал. Темы предыдущих частей проплывают перед слушателем словно уходящее прошлое. И вот появляется тема радости. Удивителен внутренний строй темы: трепетность и строгая сдержанность, огромная внутренняя сила, высвобождающаяся в грандиозном гимне добру, истине и красоте.

Премьера симфонии состоялась в 1825г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.

При жизни Бетховена Девятая симфония для многих осталась непонятной; ею восторгались лишь те, кто близко знал композитора, его ученики и просвещённые в музыке слушатели. Со временем симфонию стали включать в свой репертуар лучшие оркестры мира, и она обрела новую жизнь.

Для произведений позднего периода творчества композитора характерны сдержанность чувств и философская углублённость, что отличает их от страстных и драматических ранних сочинений. За свою жизнь Бетховен написал 9 симфоний, 32 сонаты, 16 струнных квартетов, оперу «Фиделио», «Торжественную мессу», 5 концертов для фортепиано и один для скрипки с оркестром, увертюры, отдельные пьесы для разных инструментов.

Удивительно, но многие сочинения (в том числе Девятую симфонию) композитор написал, будучи уже совершенно глухим. Однако и его последние произведения – сонаты для фортепиано и квартеты – непревзойдённые шедевры камерной музыки.

Заключение

Итак, художественный стиль классицизм возник в XVII столетии во Франции, основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства. Мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII – начала XIX столетия – венскую классическую школу. Отметим, что классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции, так как они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской классической школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

Ещё раз отметим, что искусство венских классиков представляет для нас огромную ценность и художественную значимость.

Список использованной литературы

1. Альшванг А.А. Людвиг ван Бетховен. Очерк жизни и творчества. – М.: Советский композитор, 1971. – 558с.

2. Бах. Моцарт. Бетховен. Мейербер. Шопен. Шуман. Вагнер / Сост. «ЛИО Редактор». – СПб: «ЛИО Редактор» и др., 1998. – 576с.

3. Великович Э. Великие музыкальные имена: Биографии. Материалы и документы. Рассказы о композиторах. – СПб.: Композитор, 2000. – 192с.

4. Музыкальный энциклопедический словарь / Гл. ред. Г.В. Келдыш. – М.: Советская энциклопедия, 1990. – 672с.

5. Осеннева М.С., Бездородова Л.А. Методика музыкального воспитания младших школьников: Учеб. пособие для студ. нач. фак. педвузов. – М.: «Академия», 2001. – 368с.

6. Я познаю мир: Дет. энцикл.: Музыка / Авт. А.С. Клёнов. Под общ. ред. О.Г. Хинн. – М.: АСТ-ЛТД, 1997. – 448с.

Приложение

Гайдн написал 24 оперы, преимущественно в жанре итальянской оперы-буффа и оперы-сериа, 3 оратории, 14 месс и др. духовные произведения, 104 симфонии, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и др. инструментов, 83 струнных квартета, 41 фортепьянных трио, 21 струнное трио, 126 трио для баритона (смычкового), альта, виолончели и др. ансамбли, 52 клавирные сонаты, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию).